El rersurgimiento del cine asiático.

 

El resurgimiento del cine asiático no es un evento repentino, sino la culminación de décadas de refinamiento técnico y una apertura estratégica al mercado global. A abril de 2026, Asia no solo lidera en términos de cuota de mercado (representando cerca del 35% de la taquilla mundial), sino que ha logrado imponer su propia narrativa frente a la hegemonía de Hollywood.

Aquí te presento los pilares y hitos que definen este fenómeno actual:

1. El Factor "Parásitos" y la Consolidación Coreana

El éxito histórico de Parásitos (2020) fue el catalizador que rompió la "barrera de los subtítulos" para el público masivo.

• Mickey 17 (2025): El reciente estreno de la nueva obra de Bong Joon-ho ha confirmado que los directores asiáticos ahora manejan presupuestos de blockbuster internacional manteniendo su sello autoral.

• Thriller y Género: Corea del Sur sigue perfeccionando el cine de género con hitos recientes como Exhuma (2024-2025), que ha arrasado en festivales técnicos por su diseño de sonido y efectos visuales, demostrando que el terror folclórico tiene un alcance global.

2. China: De Mercado a Potencia Creativa

China ya no es solo el lugar donde Hollywood va a recaudar dinero; ahora produce sus propios fenómenos de masas que compiten directamente en calidad y escala.

• Éxitos de Taquilla: En 2026, secuelas innovadoras de acción y carreras (como las sucesoras de Pegasus) están logrando posicionarse en los primeros puestos de recaudación incluso en Estados Unidos.

• Sagas Épicas: Producciones como Creation of the Gods han redefinido el cine de fantasía con presupuestos que superan los 400 millones de dólares, utilizando tecnología punta para narrar mitología clásica.

3. El Renacimiento Japonés (Más allá del Anime)

Si bien el anime sigue siendo una fuerza imparable, el cine live-action japonés ha recuperado su prestigio en el circuito de premios.

• Asian Film Awards 2025: Películas como Teki Cometh (Daihachi Yoshida) han devuelto el foco al drama humano y la dirección meticulosa que caracterizó a la era dorada de los 50.

• Godzilla y el efecto nostalgia: El éxito crítico de producciones recientes ha demostrado que Japón puede tratar sus franquicias clásicas con una profundidad emocional que resuena globalmente.

4. Tendencias Clave en 2026

Tendencia
Descripción

Streaming & OTT
Plataformas como Netflix y Disney+ han invertido masivamente en contenido local (K-Dramas y cine del sudeste asiático), eliminando las barreras de distribución física.

Poder Blando
Países como India (con éxitos épicos tras RRR) y Tailandia están utilizando el cine para exportar cultura, moda y valores, aumentando su influencia geopolítica.

Identidad vs. Globalización
A diferencia de los años 90, el cine asiático actual no intenta "parecerse" a Hollywood; triunfa precisamente por su especificidad cultural y ritmos narrativos únicos.

5. Nombres que marcan el presente

• Park Chan-wook: Con estrenos recientes como No Other Choice, sigue siendo el referente del cine visualmente arrebatador.

• Mohammad Rasoulof: Representando el cine de Asia Occidental, su reciente premio al mejor guion por La semilla de la higuera sagrada subraya la importancia del cine como herramienta de resistencia social.

• Ryusuke Hamaguchi: Continúa liderando la vertiente más introspectiva y poética del cine contemporáneo.

Este "resurgimiento" es, en realidad, un cambio de eje: el centro de gravedad de la industria cinematográfica se ha desplazado hacia el Este, donde la innovación técnica se encuentra con una narrativa que no teme ser local para volverse universal.

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Las 20 mejores peliculas italianas de todos los tiempos

Seleccionar solo 20 películas de una de las cinematografías más ricas del mundo es un reto, pero esta lista combina el neorrealismo, la época dorada de los maestros modernos y los clásicos contemporáneos que han definido la identidad cultural de Italia.

Aquí tienes las 20 mejores películas italianas de todos los tiempos, organizadas por su impacto histórico y crítico:

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️ Los Pilares del Neorrealismo

1. Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948) – Vittorio De Sica. Considerada a menudo la mejor película de la historia por su retrato humano de la posguerra.

2. Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, 1945) – Roberto Rossellini. El nacimiento del neorrealismo, filmado mientras los nazis abandonaban Italia.

3. Umberto D. (1952) – Vittorio De Sica. Una desgarradora mirada a la soledad de la vejez y la dignidad.

4. La tierra tiembla (La terra trema, 1948) – Luchino Visconti. Un retrato épico y visualmente sublime de pescadores sicilianos.

La Era de los Maestros (Fellini, Antonioni, Visconti)

1. 8½ (1963) – Federico Fellini. La obra definitiva sobre el proceso creativo y las crisis de un director de cine.

2. La dolce vita (1960) – Federico Fellini. Un fresco de la decadencia y el glamour de la Roma de los 60.

3. La aventura (L'avventura, 1960) – Michelangelo Antonioni. Redefinió el lenguaje cinematográfico con su enfoque en el vacío existencial.

4. El gatopardo (Il gattopardo, 1963) – Luchino Visconti. Una obra maestra histórica sobre el cambio de era en Italia, protagonizada por Burt Lancaster y Alain Delon.

5. Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli, 1960) – Luchino Visconti. Un drama operístico sobre la inmigración interna y la desintegración familiar.

6. Amarcord (1973) – Federico Fellini. Un viaje nostálgico, onírico y divertido a la Italia de los años 30.

El Genio de Sergio Leone y el Cine Social

1. El bueno, el malo y el feo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966) – El punto máximo del Spaghetti Western.

2. Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West, 1968) – La elegía definitiva de Sergio Leone al género del Oeste.

3. La batalla de Argel (La battaglia di Algeri, 1966) – Gillo Pontecorvo. Un falso documental político tan realista que fue prohibido en varios países.

4. El conformista (Il conformista, 1970) – Bernardo Bertolucci. Una de las películas visualmente más influyentes de la historia.

Clásicos Modernos y Contemporáneos

1. Cinema Paradiso (1988) – Giuseppe Tornatore. La carta de amor más famosa del mundo al cine.

2. La vida es bella (La vita è bella, 1997) – Roberto Benigni. Una fábula conmovedora sobre el Holocausto que ganó tres premios Oscar.

3. La gran belleza (La grande bellezza, 2013) – Paolo Sorrentino. La sucesora espiritual de Fellini, retratando la Roma moderna.

4. Novecento (1900) (1976) – Bernardo Bertolucci. Una ambiciosa epopeya sobre la lucha de clases en Italia durante el siglo XX.

5. El evangelio según San Mateo (1964) – Pier Paolo Pasolini. Considerada la mejor versión cinematográfica de la vida de Jesús.

6. La mejor juventud (La meglio gioventù, 2003) – Marco Tullio Giordana. Un viaje de 6 horas a través de la historia de Italia que se siente como un suspiro.

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Dato curioso: Seis de estas películas ganaron el Oscar a la Mejor Película Internacional, consolidando a Italia como el país con más victorias en esta categoría en la historia.

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Las 10 mejores peliculas españolas de todos los tiempos

Esta es una lista que combina clásicos imprescindibles, éxitos internacionales y joyas que definieron el cine de España. He intentado equilibrar diferentes épocas y estilos, desde el surrealismo de Buñuel hasta el suspense moderno.

Aquí tienes las 20 mejores películas españolas de todos los tiempos:

Los Clásicos Inmortales

1. Viridiana (1961) - Luis Buñuel: Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, es una crítica mordaz a la caridad y la religión. Fue censurada en España durante años.

2. El verdugo (1963) - Luis García Berlanga: Una comedia negra magistral que critica la pena de muerte. Es, para muchos críticos, la mejor película de la historia del país.

3. Bienvenido, Mister Marshall (1953) - Luis García Berlanga: Una sátira brillante sobre la situación de España en la posguerra y las falsas esperanzas del Plan Marshall.

4. Muerte de un ciclista (1955) - Juan Antonio Bardem: Un drama neorrealista que explora la culpa y la diferencia de clases a través de un accidente.

5. El espíritu de la colmena (1973) - Víctor Erice: Una obra poética y visualmente fascinante sobre la infancia y el impacto del cine en un pequeño pueblo de Castilla.

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La Época de Oro y el Despegue Internacional

1. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) - Pedro Almodóvar: La película que consagró a Almodóvar internacionalmente. Una comedia colorida, frenética y profundamente madrileña.

2. Todo sobre mi madre (1999) - Pedro Almodóvar: Ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera, es un homenaje conmovedor a la maternidad y la resiliencia femenina.

3. Tesis (1996) - Alejandro Amenábar: Un thriller revolucionario sobre el mundo de las snuff movies que demostró que el cine de género español podía competir con Hollywood.

4. Los santos inocentes (1984) - Mario Camus: Basada en la novela de Miguel Delibes, es un retrato desgarrador de la España rural y la servidumbre.

5. El sur (1983) - Víctor Erice: Una película incompleta según su director, pero perfecta para el público. Trata sobre la fascinación de una hija por su padre y los secretos del pasado.

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Cine Contemporáneo y de Género

1. El laberinto del fauno (2006) - Guillermo del Toro: Aunque el director es mexicano, es una coproducción española ambientada en la posguerra que mezcla fantasía oscura con realidad histórica.

2. Mar adentro (2004) - Alejandro Amenábar: La historia real de Ramón Sampedro y su lucha por una muerte digna. Ganadora del Oscar.

3. La isla mínima (2014) - Alberto Rodríguez: Un thriller policial atmosférico ambientado en las marismas del Guadalquivir que recuerda al mejor cine negro.

4. Dolor y gloria (2019) - Pedro Almodóvar: Una obra casi autobiográfica, íntima y elegante sobre la vejez, la creación artística y el reencuentro con el pasado.

5. Celda 211 (2009) - Daniel Monzón: Un drama carcelario intenso y crudo que se ha convertido en un referente moderno del cine de acción español.

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Joyas que no pueden faltar

1. Plácido (1961) - Luis García Berlanga: Nominada al Oscar, es una sátira navideña ácida sobre la hipocresía social.

2. Belle Époque (1992) - Fernando Trueba: Una comedia vitalista y luminosa que también se llevó la estatuilla de la Academia de Hollywood.

3. Amanece, que no es poco (1989) - José Luis Cuerda: El máximo exponente del "surrealismo manchego". Una película de culto con un humor absurdo único.

4. La lengua de las mariposas (1999) - José Luis Cuerda: Una historia tierna y trágica sobre la educación y la pérdida de la inocencia antes de la Guerra Civil.

5. As bestas (2022) - Rodrigo Sorogoyen: Un thriller rural asfixiante sobre la xenofobia y la propiedad de la tierra que ha arrasado en los últimos años.

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Las 100 películas de todos los tiempos

Crear una lista de las "100 mejores películas" es un reto, ya que depende de si consultamos a críticos (como Sight & Sound), a la industria (AFI) o al público (IMDb). Sin embargo, existe un consenso histórico sobre qué obras han transformado el séptimo arte.

Aquí tienes una selección de las 100 películas más influyentes y aclamadas de la historia, organizadas por su impacto y relevancia técnica:

El Top 10 Indiscutible (Consenso Crítico)

Estas películas suelen encabezar casi todas las listas de "Mejor de la Historia":

1. El Padrino (1972) – Francis Ford Coppola

2. Ciudadano Kane (1941) – Orson Welles

3. Vértigo (1958) – Alfred Hitchcock

4. 2001: Una odisea del espacio (1968) – Stanley Kubrick

5. Cuentos de Tokio (1953) – Yasujirō Ozu

6. Casablanca (1942) – Michael Curtiz

7. Los siete samuráis (1954) – Akira Kurosawa

8. Cantando bajo la lluvia (1952) – Stanley Donen & Gene Kelly

9. El Padrino: Parte II (1974) – Francis Ford Coppola

10. La lista de Schindler (1993) – Steven Spielberg

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Obras Maestras del Cine Clásico

1. Luces de la ciudad (1931)

2. Lo que el viento se llevó (1939)

3. El mago de Oz (1939)

4. Ladrón de bicicletas (1948)

5. Eva al desnudo (1950)

6. Sunset Boulevard (1950)

7. Rashomon (1950)

8. La ventana indiscreta (1954)

9. La noche del cazador (1955)

10. Senderos de gloria (1957)

11. 12 hombres en pugna (1957)

12. Sed de mal (1958)

13. Con faldas y a lo loco (1959)

14. Psicosis (1960)

15. La Dolce Vita (1960)

16. El apartamento (1960)

17. Lawrence de Arabia (1962)

18. 8½ (1963)

19. Dr. Insólito (1964)

20. El bueno, el malo y el feo (1966)

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El Nuevo Hollywood y Cine Moderno (1970 - 1999)

1. La naranja mecánica (1971)

2. Cabaret (1972)

3. Chinatown (1974)

4. Tiburón (1975)

5. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)

6. Taxi Driver (1976)

7. Star Wars: Una nueva esperanza (1977)

8. Annie Hall (1977)

9. Apocalypse Now (1979)

10. Alien: el octavo pasajero (1979)

11. El resplandor (1980)

12. Star Wars: El Imperio contraataca (1980)

13. Toro Salvaje (1980)

14. Blade Runner (1982)

15. E.T., el extraterrestre (1982)

16. París, Texas (1984)

17. Volver al futuro (1985)

18. Terciopelo azul (1986)

19. Cinema Paradiso (1988)

20. Buenos muchachos (1990)

21. El silencio de los inocentes (1991)

22. Pulp Fiction (1994)

23. Sueños de libertad (1994)

24. Seven (1995)

25. Toy Story (1995)

26. Fargo (1996)

27. La vida es bella (1997)

28. Rescatando al soldado Ryan (1998)

29. Matrix (1999)

30. El club de la pelea (1999)

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Siglo XXI: Los Nuevos Clásicos

1. Amores Perros (2000)

2. Deseando amar (2000)

3. El viaje de Chihiro (2001)

4. Mulholland Drive (2001)

5. El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001)

6. Ciudad de Dios (2002)

7. Hable con ella (2002)

8. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)

9. Secreto en la montaña (2005)

10. El laberinto del fauno (2006)

11. Petróleo sangriento (2007)

12. Sin lugar para los débiles (2007)

13. Batman: El Caballero de la Noche (2008)

14. WALL-E (2008)

15. Bastardos sin gloria (2009)

16. Inception (2010)

17. La red social (2010)

18. The Tree of Life (2011)

19. The Act of Killing (2012)

20. Gravedad (2013)

21. Her (2013)

22. Whiplash (2014)

23. Mad Max: Furia en el camino (2015)

24. Moonlight (2016)

25. La La Land (2016)

26. Get Out (2017)

27. Roma (2018)

28. Parásitos (2019)

29. Retrato de una mujer en llamas (2019)

30. The Zone of Interest (2023)

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Joyas Internacionales y de Culto

1. Metrópolis (1927)

2. M, el vampiro de Düsseldorf (1931)

3. La regla del juego (1939)

4. Los 400 golpes (1959)

5. Sin aliento (1960)

6. Persona (1966)

7. Playtime (1967)

8. Stalker (1979)

9. Ran (1985)

10. Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

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Nota: Esta lista es una mezcla equilibrada entre importancia histórica, técnica cinematográfica y recepción popular. Si buscas un género específico (terror, ciencia ficción, animación), la lista podría variar drásticamente.

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9 Reinas es una hermosa película con dos pequeños matones que buscan el pez gordo.

Nine Queens es una película argentina de 2000 dirigida por Fabián Bielinsky.
Deficiencia de los éxitos recogidos en varios festivales, "Nueve reinas" es una buena película. Si las modelos son muy declaradas (desde el Mamet de "La Casa de los Juegos" hasta la comedia italiana de Monicelli y Risi), el guión también es un reloj suizo, la dirección nunca trivial, los actores simplemente increíbles.

Y la intriga amarilla y picaresca viaja que es un placer hacia un final, si no del todo sorprendente, al menos más original que la media del género. Recomendado

Trama.

Juan es un ladrón novato que hace sus disparos para poder dejar de lado la cantidad necesaria para que su padre los libere.

Durante una de sus pequeñas estafas se encontró con Marcos, un estafador también pero más experimentado, quien, observó a su colega en el trabajo, le propuso entrar en la sociedad por un día.

Durante sus engaños, los dos se encontrarán en manos de la mayor estafa de sus vidas que podría poner fin a sus problemas económicos para siempre: vender de verdad, a un coleccionista millonario de sellos, una copia falsificada de las famosas nueve reinas, es decir, nueve sellos de la República de Weimar por valor de medio millón de dólares.
La empresa no será simple, sino más bien llena de eventos inesperados y con un final completamente inesperado.

 

Remake.

La película fue una inspiración para la película de 2004 Criminal y la película india de 2005 Bluffmaster.
En la película italiana Mi fido di te es una referencia a esta película a través de una estafa en un restaurante que tiene lugar de una manera muy similar a lo que sucede en la película argentina y de hecho se llama la estafa de las nueve reinas.

Interpreti e personaggi.
Gastón Pauls: Juan 
Ricardo Darín: Marcos 
Leticia Brédice: Valeria
Tomás Fonzi: Federico
Isaac Fajm: Vendedor
Jorge Noya: Aníbal
Oscar Nuñez: Sandler
Ignasi Abadal: Vidal Gandolfo
Alejandro Awada: Washington

 

fuente

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Necrofobia es un thriller psicológico que despierta curiosidad incluso con su título

Necrofobia (Argentina – 2014) es un thriller psicológico que despierta curiosidad incluso con su título. El término se refiere al miedo a los cadáveres y a la muerte, una fobia que el director argentino Daniel De La Vega explora exhaustivamente en esta intensa película.

Situado en el centro de la historia como uno de sus maniquíes pero impulsado por fuertes emociones que lo arrastran a profundas crisis de identidad hasta el límite de toda resistencia, Luís Machín, el personaje clave de la película, se convierte en un espejo humano de la necrofobia y consigue involucrar emocionalmente al espectador en su delirio
.

El sonido de una máquina de coser, seguido de la imagen de una habitación llena de maniquíes cubiertos de celofán y envueltos en niebla, forman parte del mundo onírico de Dante, un hombre ocupado confeccionando el traje que usará en el funeral de su hermano gemelo, Tomás. Una música oscura y sofocante acompaña los gestos sencillos del protagonista, haciéndolos siniestros, mientras que las tomas se centran en los detalles de varios maniquíes y bustos inquietantes que no solo cumplen una función sartorial, sino también como accesorios decorativos.

Al ponerse el traje y mirarse al espejo rodeado de sus desgastados maniquíes, los ojos brillantes de Machín revelan un alma en pena.
Esto presenta al protagonista, un sastre, un hombre aparentemente normal, afligido por el dolor. Su inmensa sastrería/casa, un lugar siniestro y lúgubre, habitado casi exclusivamente por maniquíes y sus partes, sugiere sin duda su ambigüedad.
Su personalidad perturbada emerge en la secuencia del cementerio, donde la omnipresente sensación de muerte (amplificada por el funeral y el cadáver de su hermano en el ataúd durante el servicio) desencadena necrofobia, que posteriormente se manifiesta en una reacción incontrolable. A solas entre las lápidas y tumbas familiares, el pánico lo invade.
A medida que avanza la historia, el personaje principal se define con mayor claridad y, gracias a la habilidad de Luis Machín, se convierte en el eje central de la película. Tras su duelo, una serie de tristes sucesos lo agobian como una roca, empujándolo a un lento e inexorable descenso hacia la locura, mientras un crescendo de tensión y desesperación alcanza su punto álgido en otro lugar de la muerte. Tras el cementerio, será el turno de la morgue, un lugar sofocante donde la necrofobia pronto se manifestará.

En esta intensa y funeraria película dirigida por el brillante Daniel De La Vega, Dante se adentra en las profundidades de esta retorcida historia como una marioneta, guiado por un destino cruel y siniestro hasta el final. La constante sensación de muerte que impregna esta película también se refleja en la fotografía (de Mariano Suárez), igualmente fría, descolorida y sin vida, en perfecta sintonía con su temática.
Necrofobia es una película cargada de emotividad que no deja lugar a la esperanza, sino solo a sensaciones devastadoras y dolorosas. Es una obra cinematográfica llena de encanto, pero también de gran tensión debido al vínculo que se crea entre el protagonista y el espectador... este último casi se convierte en una esponja que absorbe el dolor y la negatividad del personaje principal.

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Necrofobia es una película diferente, en constante evolución, cuya historia sigue un camino personal y abarca no solo el miedo a la muerte, sino también la locura en todas sus formas.
Entre los claros homenajes a películas de los años 70 y 80 (Torso, Tourist Trap, Maniac e incluso películas de Fulci y Argento) presentes en Necrofobia, se aprecia claramente el impecable estilo de dirección de Daniel De La Vega, quien ya demostró su talento en Jennifer's Shadow.
La sólida dirección se complementa con un guion impecable (Daniel de la Vega, Nicanor Loreti y Germán Val) y la extraordinaria y, sobre todo, impresionante actuación de Luís Machín en el papel de un personaje inolvidable.
El reparto, además de Luís Machín, incluye a Viviana Saccone, Hugo Aztar, Gerardo Romano, Raúl Taibo, Pablo y Ariel Juin, y Fabián Forte.
La producción estuvo a cargo del propio director Daniel De La Vega junto con Néstor Sánchez Sotelo.

Incluso las secuencias más dramáticas de la película (la amputación de una mano, un cadáver descuartizado con tijeras y una garganta degollada con una sierra) son exitosas y efectivas, gracias a los artistas de efectos especiales Alberto Jaceniuk y Rebeca Martínez (Makeup FX).
Necrofobia es un viaje detallado a través de las fobias en el que es imposible no perderse.

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El hombre que conocía el infinito, película estadounidense basada en una historia real.

El hombre que conocía el infinito (The Man Who Knew Infinity ) es una película estadounidense de 2015 escrita y dirigida por Matt Brown.

Basada en la biografía The Man Who Saw Infinity - The Short Life of Srinivasa Ramanujan, un genio matemático escrito por Robert Kanigel en 1991, la película cuenta la historia real de Srinivasa Ramanujan, un matemático que después de crecer pobre en Madrás, India, obtiene la admisión a la Universidad de Cambridge durante la Primera Guerra Mundial, donde se convierte en un pionero en teorías matemáticas bajo la guía de su profesor y mentor H. Hardy.

La película está protagonizada por Dev Patel y Jeremy Irons. El elenco también incluye a Toby Jones, Stephen Fry, Jeremy Northam y Kevin McNally.

Trama.

India colonial 1912: El joven matemático Ramanujan envía sus hallazgos recientes al profesor de Londres G.H. Hardy, que está entusiasmado y lo invita a estudiar en el Trinity College de Cambridge, a pesar de que Ramanujan tiene que lidiar con la dificultad de la situación familiar, con una madre sobre-tradicionalista y una nueva esposa del matrimonio Janaki.
La figura de su maestro representa precisamente ese vínculo entre los dos mundos. Hardy es de hecho un personaje que no está en conformidad con la sociedad de la época, es un pacifista y un hombre moderno, anti-académico y, no es sorprendente, muy amigo cercano de Bertrand Russell.
De hecho, se propondrá como un compañero de Ramanujan, tratando no solo de hacer que todos aprecien la importancia de su trabajo, sino también de comenzar un proceso que exhorta al país colonizador a mirar a los colonizados como su igual.

Se con Hardy è facile costruire un rapporto egualitario che si trasformerà poi in una profonda amicizia, con il paese che lo sta ospitando Ramanujan deve faticare molto di più e servirsi di un tramite (un inglese) per farsi accettare.
Il processo raccontato in questo film cela un sottotesto che rimanda al discorso coloniale ma lo accenna solo in parte e lo fa nel momento in cui si sofferma sugli sguardi e gli atteggiamenti avversi che gli inglesi rivolgono verso lo straniero. Ramanujan viene deriso per i propri abiti, chiamato straccione, picchiato da soldati dell'esercito, diventando il "diverso" su cui sfogarsi, nella cornice di un Paese distrutto e messo in ginocchio dalla guerra.

La filmación comenzó en agosto de 2014 en el Trinity College de Cambridge. Inicialmente el actor R. Madhavan había sido seleccionado para interpretar el papel principal, pero los productores finalmente decidieron un actor más conocido a nivel internacional.

Los matemáticos Manjul Bhargava y Ken Ono se encuentran entre los productores asociados a la película.

La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2015. Más tarde se presentó en otros festivales internacionales de cine, incluido el Festival de Cine de Tribeca. Fue lanzado en el Reino Unido el 8 de abril de 2016. En Italia fue lanzado el 9 de junio de 2016.

Intérpretes y personajes.

Dev Patel: Srinivasa Ramanujan

Jeremy Irons: G. H. ¿Hardy

Toby Jones: John Edensor Littlewood

Stephen Fry: Sir Francis Spring

Jeremy Northam como Bertrand Russell

Devika Bhise: Janaki

Arundhati Nag: Komalatammal

Kevin McNally: Percy Alexander MacMahon

Richard Johnson: Henry Jackson

Anthony Calf: Robert Alfred Herman

Enzo Cilenti: doctor

Shazad Latif: Chandra Mahalanobis

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