El rersurgimiento del cine asiático.

 

El resurgimiento del cine asiático no es un evento repentino, sino la culminación de décadas de refinamiento técnico y una apertura estratégica al mercado global. A abril de 2026, Asia no solo lidera en términos de cuota de mercado (representando cerca del 35% de la taquilla mundial), sino que ha logrado imponer su propia narrativa frente a la hegemonía de Hollywood.

Aquí te presento los pilares y hitos que definen este fenómeno actual:

1. El Factor "Parásitos" y la Consolidación Coreana

El éxito histórico de Parásitos (2020) fue el catalizador que rompió la "barrera de los subtítulos" para el público masivo.

• Mickey 17 (2025): El reciente estreno de la nueva obra de Bong Joon-ho ha confirmado que los directores asiáticos ahora manejan presupuestos de blockbuster internacional manteniendo su sello autoral.

• Thriller y Género: Corea del Sur sigue perfeccionando el cine de género con hitos recientes como Exhuma (2024-2025), que ha arrasado en festivales técnicos por su diseño de sonido y efectos visuales, demostrando que el terror folclórico tiene un alcance global.

2. China: De Mercado a Potencia Creativa

China ya no es solo el lugar donde Hollywood va a recaudar dinero; ahora produce sus propios fenómenos de masas que compiten directamente en calidad y escala.

• Éxitos de Taquilla: En 2026, secuelas innovadoras de acción y carreras (como las sucesoras de Pegasus) están logrando posicionarse en los primeros puestos de recaudación incluso en Estados Unidos.

• Sagas Épicas: Producciones como Creation of the Gods han redefinido el cine de fantasía con presupuestos que superan los 400 millones de dólares, utilizando tecnología punta para narrar mitología clásica.

3. El Renacimiento Japonés (Más allá del Anime)

Si bien el anime sigue siendo una fuerza imparable, el cine live-action japonés ha recuperado su prestigio en el circuito de premios.

• Asian Film Awards 2025: Películas como Teki Cometh (Daihachi Yoshida) han devuelto el foco al drama humano y la dirección meticulosa que caracterizó a la era dorada de los 50.

• Godzilla y el efecto nostalgia: El éxito crítico de producciones recientes ha demostrado que Japón puede tratar sus franquicias clásicas con una profundidad emocional que resuena globalmente.

4. Tendencias Clave en 2026

Tendencia
Descripción

Streaming & OTT
Plataformas como Netflix y Disney+ han invertido masivamente en contenido local (K-Dramas y cine del sudeste asiático), eliminando las barreras de distribución física.

Poder Blando
Países como India (con éxitos épicos tras RRR) y Tailandia están utilizando el cine para exportar cultura, moda y valores, aumentando su influencia geopolítica.

Identidad vs. Globalización
A diferencia de los años 90, el cine asiático actual no intenta "parecerse" a Hollywood; triunfa precisamente por su especificidad cultural y ritmos narrativos únicos.

5. Nombres que marcan el presente

• Park Chan-wook: Con estrenos recientes como No Other Choice, sigue siendo el referente del cine visualmente arrebatador.

• Mohammad Rasoulof: Representando el cine de Asia Occidental, su reciente premio al mejor guion por La semilla de la higuera sagrada subraya la importancia del cine como herramienta de resistencia social.

• Ryusuke Hamaguchi: Continúa liderando la vertiente más introspectiva y poética del cine contemporáneo.

Este "resurgimiento" es, en realidad, un cambio de eje: el centro de gravedad de la industria cinematográfica se ha desplazado hacia el Este, donde la innovación técnica se encuentra con una narrativa que no teme ser local para volverse universal.

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Las 100 películas de todos los tiempos

Crear una lista de las "100 mejores películas" es un reto, ya que depende de si consultamos a críticos (como Sight & Sound), a la industria (AFI) o al público (IMDb). Sin embargo, existe un consenso histórico sobre qué obras han transformado el séptimo arte.

Aquí tienes una selección de las 100 películas más influyentes y aclamadas de la historia, organizadas por su impacto y relevancia técnica:

El Top 10 Indiscutible (Consenso Crítico)

Estas películas suelen encabezar casi todas las listas de "Mejor de la Historia":

1. El Padrino (1972) – Francis Ford Coppola

2. Ciudadano Kane (1941) – Orson Welles

3. Vértigo (1958) – Alfred Hitchcock

4. 2001: Una odisea del espacio (1968) – Stanley Kubrick

5. Cuentos de Tokio (1953) – Yasujirō Ozu

6. Casablanca (1942) – Michael Curtiz

7. Los siete samuráis (1954) – Akira Kurosawa

8. Cantando bajo la lluvia (1952) – Stanley Donen & Gene Kelly

9. El Padrino: Parte II (1974) – Francis Ford Coppola

10. La lista de Schindler (1993) – Steven Spielberg

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Obras Maestras del Cine Clásico

1. Luces de la ciudad (1931)

2. Lo que el viento se llevó (1939)

3. El mago de Oz (1939)

4. Ladrón de bicicletas (1948)

5. Eva al desnudo (1950)

6. Sunset Boulevard (1950)

7. Rashomon (1950)

8. La ventana indiscreta (1954)

9. La noche del cazador (1955)

10. Senderos de gloria (1957)

11. 12 hombres en pugna (1957)

12. Sed de mal (1958)

13. Con faldas y a lo loco (1959)

14. Psicosis (1960)

15. La Dolce Vita (1960)

16. El apartamento (1960)

17. Lawrence de Arabia (1962)

18. 8½ (1963)

19. Dr. Insólito (1964)

20. El bueno, el malo y el feo (1966)

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El Nuevo Hollywood y Cine Moderno (1970 - 1999)

1. La naranja mecánica (1971)

2. Cabaret (1972)

3. Chinatown (1974)

4. Tiburón (1975)

5. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)

6. Taxi Driver (1976)

7. Star Wars: Una nueva esperanza (1977)

8. Annie Hall (1977)

9. Apocalypse Now (1979)

10. Alien: el octavo pasajero (1979)

11. El resplandor (1980)

12. Star Wars: El Imperio contraataca (1980)

13. Toro Salvaje (1980)

14. Blade Runner (1982)

15. E.T., el extraterrestre (1982)

16. París, Texas (1984)

17. Volver al futuro (1985)

18. Terciopelo azul (1986)

19. Cinema Paradiso (1988)

20. Buenos muchachos (1990)

21. El silencio de los inocentes (1991)

22. Pulp Fiction (1994)

23. Sueños de libertad (1994)

24. Seven (1995)

25. Toy Story (1995)

26. Fargo (1996)

27. La vida es bella (1997)

28. Rescatando al soldado Ryan (1998)

29. Matrix (1999)

30. El club de la pelea (1999)

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Siglo XXI: Los Nuevos Clásicos

1. Amores Perros (2000)

2. Deseando amar (2000)

3. El viaje de Chihiro (2001)

4. Mulholland Drive (2001)

5. El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001)

6. Ciudad de Dios (2002)

7. Hable con ella (2002)

8. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)

9. Secreto en la montaña (2005)

10. El laberinto del fauno (2006)

11. Petróleo sangriento (2007)

12. Sin lugar para los débiles (2007)

13. Batman: El Caballero de la Noche (2008)

14. WALL-E (2008)

15. Bastardos sin gloria (2009)

16. Inception (2010)

17. La red social (2010)

18. The Tree of Life (2011)

19. The Act of Killing (2012)

20. Gravedad (2013)

21. Her (2013)

22. Whiplash (2014)

23. Mad Max: Furia en el camino (2015)

24. Moonlight (2016)

25. La La Land (2016)

26. Get Out (2017)

27. Roma (2018)

28. Parásitos (2019)

29. Retrato de una mujer en llamas (2019)

30. The Zone of Interest (2023)

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Joyas Internacionales y de Culto

1. Metrópolis (1927)

2. M, el vampiro de Düsseldorf (1931)

3. La regla del juego (1939)

4. Los 400 golpes (1959)

5. Sin aliento (1960)

6. Persona (1966)

7. Playtime (1967)

8. Stalker (1979)

9. Ran (1985)

10. Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

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Nota: Esta lista es una mezcla equilibrada entre importancia histórica, técnica cinematográfica y recepción popular. Si buscas un género específico (terror, ciencia ficción, animación), la lista podría variar drásticamente.

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9 Reinas es una hermosa película con dos pequeños matones que buscan el pez gordo.

Nine Queens es una película argentina de 2000 dirigida por Fabián Bielinsky.
Deficiencia de los éxitos recogidos en varios festivales, "Nueve reinas" es una buena película. Si las modelos son muy declaradas (desde el Mamet de "La Casa de los Juegos" hasta la comedia italiana de Monicelli y Risi), el guión también es un reloj suizo, la dirección nunca trivial, los actores simplemente increíbles.

Y la intriga amarilla y picaresca viaja que es un placer hacia un final, si no del todo sorprendente, al menos más original que la media del género. Recomendado

Trama.

Juan es un ladrón novato que hace sus disparos para poder dejar de lado la cantidad necesaria para que su padre los libere.

Durante una de sus pequeñas estafas se encontró con Marcos, un estafador también pero más experimentado, quien, observó a su colega en el trabajo, le propuso entrar en la sociedad por un día.

Durante sus engaños, los dos se encontrarán en manos de la mayor estafa de sus vidas que podría poner fin a sus problemas económicos para siempre: vender de verdad, a un coleccionista millonario de sellos, una copia falsificada de las famosas nueve reinas, es decir, nueve sellos de la República de Weimar por valor de medio millón de dólares.
La empresa no será simple, sino más bien llena de eventos inesperados y con un final completamente inesperado.

 

Remake.

La película fue una inspiración para la película de 2004 Criminal y la película india de 2005 Bluffmaster.
En la película italiana Mi fido di te es una referencia a esta película a través de una estafa en un restaurante que tiene lugar de una manera muy similar a lo que sucede en la película argentina y de hecho se llama la estafa de las nueve reinas.

Interpreti e personaggi.
Gastón Pauls: Juan 
Ricardo Darín: Marcos 
Leticia Brédice: Valeria
Tomás Fonzi: Federico
Isaac Fajm: Vendedor
Jorge Noya: Aníbal
Oscar Nuñez: Sandler
Ignasi Abadal: Vidal Gandolfo
Alejandro Awada: Washington

 

fuente

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Necrofobia es un thriller psicológico que despierta curiosidad incluso con su título

Necrofobia (Argentina – 2014) es un thriller psicológico que despierta curiosidad incluso con su título. El término se refiere al miedo a los cadáveres y a la muerte, una fobia que el director argentino Daniel De La Vega explora exhaustivamente en esta intensa película.

Situado en el centro de la historia como uno de sus maniquíes pero impulsado por fuertes emociones que lo arrastran a profundas crisis de identidad hasta el límite de toda resistencia, Luís Machín, el personaje clave de la película, se convierte en un espejo humano de la necrofobia y consigue involucrar emocionalmente al espectador en su delirio
.

El sonido de una máquina de coser, seguido de la imagen de una habitación llena de maniquíes cubiertos de celofán y envueltos en niebla, forman parte del mundo onírico de Dante, un hombre ocupado confeccionando el traje que usará en el funeral de su hermano gemelo, Tomás. Una música oscura y sofocante acompaña los gestos sencillos del protagonista, haciéndolos siniestros, mientras que las tomas se centran en los detalles de varios maniquíes y bustos inquietantes que no solo cumplen una función sartorial, sino también como accesorios decorativos.

Al ponerse el traje y mirarse al espejo rodeado de sus desgastados maniquíes, los ojos brillantes de Machín revelan un alma en pena.
Esto presenta al protagonista, un sastre, un hombre aparentemente normal, afligido por el dolor. Su inmensa sastrería/casa, un lugar siniestro y lúgubre, habitado casi exclusivamente por maniquíes y sus partes, sugiere sin duda su ambigüedad.
Su personalidad perturbada emerge en la secuencia del cementerio, donde la omnipresente sensación de muerte (amplificada por el funeral y el cadáver de su hermano en el ataúd durante el servicio) desencadena necrofobia, que posteriormente se manifiesta en una reacción incontrolable. A solas entre las lápidas y tumbas familiares, el pánico lo invade.
A medida que avanza la historia, el personaje principal se define con mayor claridad y, gracias a la habilidad de Luis Machín, se convierte en el eje central de la película. Tras su duelo, una serie de tristes sucesos lo agobian como una roca, empujándolo a un lento e inexorable descenso hacia la locura, mientras un crescendo de tensión y desesperación alcanza su punto álgido en otro lugar de la muerte. Tras el cementerio, será el turno de la morgue, un lugar sofocante donde la necrofobia pronto se manifestará.

En esta intensa y funeraria película dirigida por el brillante Daniel De La Vega, Dante se adentra en las profundidades de esta retorcida historia como una marioneta, guiado por un destino cruel y siniestro hasta el final. La constante sensación de muerte que impregna esta película también se refleja en la fotografía (de Mariano Suárez), igualmente fría, descolorida y sin vida, en perfecta sintonía con su temática.
Necrofobia es una película cargada de emotividad que no deja lugar a la esperanza, sino solo a sensaciones devastadoras y dolorosas. Es una obra cinematográfica llena de encanto, pero también de gran tensión debido al vínculo que se crea entre el protagonista y el espectador... este último casi se convierte en una esponja que absorbe el dolor y la negatividad del personaje principal.

Lea también: El milagro de Berna.

Necrofobia es una película diferente, en constante evolución, cuya historia sigue un camino personal y abarca no solo el miedo a la muerte, sino también la locura en todas sus formas.
Entre los claros homenajes a películas de los años 70 y 80 (Torso, Tourist Trap, Maniac e incluso películas de Fulci y Argento) presentes en Necrofobia, se aprecia claramente el impecable estilo de dirección de Daniel De La Vega, quien ya demostró su talento en Jennifer's Shadow.
La sólida dirección se complementa con un guion impecable (Daniel de la Vega, Nicanor Loreti y Germán Val) y la extraordinaria y, sobre todo, impresionante actuación de Luís Machín en el papel de un personaje inolvidable.
El reparto, además de Luís Machín, incluye a Viviana Saccone, Hugo Aztar, Gerardo Romano, Raúl Taibo, Pablo y Ariel Juin, y Fabián Forte.
La producción estuvo a cargo del propio director Daniel De La Vega junto con Néstor Sánchez Sotelo.

Incluso las secuencias más dramáticas de la película (la amputación de una mano, un cadáver descuartizado con tijeras y una garganta degollada con una sierra) son exitosas y efectivas, gracias a los artistas de efectos especiales Alberto Jaceniuk y Rebeca Martínez (Makeup FX).
Necrofobia es un viaje detallado a través de las fobias en el que es imposible no perderse.

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El hombre que conocía el infinito, película estadounidense basada en una historia real.

El hombre que conocía el infinito (The Man Who Knew Infinity ) es una película estadounidense de 2015 escrita y dirigida por Matt Brown.

Basada en la biografía The Man Who Saw Infinity - The Short Life of Srinivasa Ramanujan, un genio matemático escrito por Robert Kanigel en 1991, la película cuenta la historia real de Srinivasa Ramanujan, un matemático que después de crecer pobre en Madrás, India, obtiene la admisión a la Universidad de Cambridge durante la Primera Guerra Mundial, donde se convierte en un pionero en teorías matemáticas bajo la guía de su profesor y mentor H. Hardy.

La película está protagonizada por Dev Patel y Jeremy Irons. El elenco también incluye a Toby Jones, Stephen Fry, Jeremy Northam y Kevin McNally.

Trama.

India colonial 1912: El joven matemático Ramanujan envía sus hallazgos recientes al profesor de Londres G.H. Hardy, que está entusiasmado y lo invita a estudiar en el Trinity College de Cambridge, a pesar de que Ramanujan tiene que lidiar con la dificultad de la situación familiar, con una madre sobre-tradicionalista y una nueva esposa del matrimonio Janaki.
La figura de su maestro representa precisamente ese vínculo entre los dos mundos. Hardy es de hecho un personaje que no está en conformidad con la sociedad de la época, es un pacifista y un hombre moderno, anti-académico y, no es sorprendente, muy amigo cercano de Bertrand Russell.
De hecho, se propondrá como un compañero de Ramanujan, tratando no solo de hacer que todos aprecien la importancia de su trabajo, sino también de comenzar un proceso que exhorta al país colonizador a mirar a los colonizados como su igual.

Se con Hardy è facile costruire un rapporto egualitario che si trasformerà poi in una profonda amicizia, con il paese che lo sta ospitando Ramanujan deve faticare molto di più e servirsi di un tramite (un inglese) per farsi accettare.
Il processo raccontato in questo film cela un sottotesto che rimanda al discorso coloniale ma lo accenna solo in parte e lo fa nel momento in cui si sofferma sugli sguardi e gli atteggiamenti avversi che gli inglesi rivolgono verso lo straniero. Ramanujan viene deriso per i propri abiti, chiamato straccione, picchiato da soldati dell'esercito, diventando il "diverso" su cui sfogarsi, nella cornice di un Paese distrutto e messo in ginocchio dalla guerra.

La filmación comenzó en agosto de 2014 en el Trinity College de Cambridge. Inicialmente el actor R. Madhavan había sido seleccionado para interpretar el papel principal, pero los productores finalmente decidieron un actor más conocido a nivel internacional.

Los matemáticos Manjul Bhargava y Ken Ono se encuentran entre los productores asociados a la película.

La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2015. Más tarde se presentó en otros festivales internacionales de cine, incluido el Festival de Cine de Tribeca. Fue lanzado en el Reino Unido el 8 de abril de 2016. En Italia fue lanzado el 9 de junio de 2016.

Intérpretes y personajes.

Dev Patel: Srinivasa Ramanujan

Jeremy Irons: G. H. ¿Hardy

Toby Jones: John Edensor Littlewood

Stephen Fry: Sir Francis Spring

Jeremy Northam como Bertrand Russell

Devika Bhise: Janaki

Arundhati Nag: Komalatammal

Kevin McNally: Percy Alexander MacMahon

Richard Johnson: Henry Jackson

Anthony Calf: Robert Alfred Herman

Enzo Cilenti: doctor

Shazad Latif: Chandra Mahalanobis

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las cinco mejores series policiales de la historia

 

Las cinco mejores series policiales de la historia son The Wire, The Sopranos, Mindhunter, True Detective y Mare of Easttown, según diversas publicaciones.

Estas series son reconocidas por su realismo, desarrollo de personajes y tramas complejas, y se han ganado aclamación de la crítica y del público.

The Wire: Aclamada por su retrato realista del tráfico de drogas y la corrupción en Baltimore, esta serie examina la intersección de la policía, el narcotráfico, la política y los medios de comunicación.

The Wire (conocida como Bajo escucha en España y Los vigilantes en México) es una aclamada serie dramática de televisión de la cadena HBO, que ofrece un retrato realista y descarnado de la vida urbana en Baltimore a través de la interconexión de diversas instituciones de la ciudad y el mundo del tráfico de drogas. <?XML:NAMESPACE PREFIX = "[default] http://www.w3.org/2000/svg" NS = "http://www.w3.org/2000/svg" />

La serie, creada por el periodista y escritor David Simon y el expolicía Ed Burns, se desarrolla a lo largo de cinco temporadas, cada una enfocada en una institución diferente de Baltimore y su relación con las fuerzas del orden:

The Sopranos: Aunque es más conocida por su enfoque en la mafia, también explora temas de crimen, lealtad y moralidad a través de los ojos de un jefe mafioso que busca terapia.

Los Soprano (título original en inglés: The Sopranos) es una aclamada serie de televisión dramática estadounidense, producida por HBO y creada por David Chase. Se emitió originalmente desde 1999 hasta 2007, a lo largo de seis temporadas y 86 episodios. Es ampliamente considerada una de las mejores e influyentes series de televisión de todos los tiempos, reconocida por dar inicio a la segunda edad de oro de la televisión.

La serie se centra en la compleja vida de Tony Soprano (interpretado por James Gandolfini), un jefe de la mafia italoamericana de Nueva Jersey. La trama principal explora las dificultades de Tony para equilibrar las demandas de su organización criminal con su vida familiar y personal. Aquejado por ataques de pánico y depresión, Tony busca a regañadientes ayuda profesional y comienza a asistir a sesiones de terapia con la psiquiatra Dra. Jennifer Melfi (Lorraine Bracco), lo que sirve como eje narrativo para explorar su psique y los dilemas morales a los que se enfrenta.

Mindhunter: Ambientada en la década de 1970, la serie se centra en dos agentes del FBI que se dedican a la investigación de perfiles de asesinos en serie para comprender mejor su psique y comportamiento.

Mindhunter es una aclamada serie de thriller psicológico producida por David Fincher y Charlize Theron, basada en hechos reales sobre los inicios del perfil criminal en el FBI a finales de los años 70. La serie cuenta con dos temporadas y está disponible exclusivamente en Netflix. <?XML:NAMESPACE PREFIX = "[default] http://www.w3.org/2000/svg" NS = "http://www.w3.org/2000/svg" />

La trama sigue a dos agentes del FBI, Holden Ford (Jonathan Groff) y Bill Tench (Holt McCallany), quienes, junto a la psicóloga Wendy Carr (Anna Torv), se dedican a entrevistar a asesinos en serie encarcelados para comprender su psicología y desarrollar técnicas de perfilación criminal. Su trabajo revoluciona la ciencia criminal, pero los expone a mentes perturbadoras, lo que afecta profundamente sus vidas personales y profesionales.

A lo largo de la serie, los agentes interactúan con representaciones realistas de asesinos seriales infames, como Edmund Kemper, Jerry Brudos y Charles Manson.

True Detective: Esta serie de antología presenta diferentes historias de crímenes en cada temporada, con énfasis en la atmósfera, la psicología de los personajes y su oscuro realismo.

True Detective es una aclamada serie de televisión de drama criminal en formato de antología de HBO, lo que significa que cada temporada presenta una historia y un elenco de personajes completamente nuevos e independientes.

La serie, originalmente creada por Nic Pizzolatto, se centra en investigaciones policiales complejas y oscuras que a menudo exploran la psicología de los detectives y los entornos donde ocurren los crímenes.

Mare of Easttown: Una detective de un pequeño pueblo de Pensilvania investiga un asesinato local mientras su propia vida se desmorona, ofreciendo un retrato detallado de un personaje complejo y una trama de misterio convincente.

Mare of Easttown es una aclamada miniserie de televisión dramática y de suspense de HBO, estrenada en 2021 y protagonizada por Kate Winslet. La serie se centra en la vida de una detective de un pequeño pueblo de Pensilvania mientras investiga un brutal asesinato local, a la vez que su propia vida personal se desmorona.

La historia sigue a Mare Sheehan (interpretada por Kate Winslet), una respetada pero atribulada detective de policía en Easttown, un pueblo muy unido cerca de Filadelfia. Mare es una heroína local, pero enfrenta una presión creciente por parte de la comunidad para resolver la desaparición sin resolver de otra joven, un caso que lleva meses estancado.

La trama se intensifica cuando ocurre un espeluznante asesinato, obligando a Mare a sumergirse en los oscuros secretos de la comunidad y a lidiar con tragedias personales pasadas que han definido su presente. La serie explora temas como la maternidad, el trauma, la familia y cómo los lazos comunitarios pueden ocultar verdades complejas.

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El panda gordo que está volviendo locos a los chinos

El panda regordete que está volviendo locos a los chinos.
Kung Fu Panda es una película de animación de 2008 dirigida por Mark Osborne y John Stevenson y producida por DreamWorks Animation. Narra la historia de un torpe panda gigante que intenta aprender artes marciales. La película se estrenó fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes de 2008.
Kung Fu Panda fue la película más vista en Italia en 2008, con 2.899.908 entradas y más de 17 millones de euros en taquilla.
El Valle de la Paz se ve amenazado por Tai Lung, el leopardo de las nieves que, antes de unirse a las fuerzas del mal y acabar en prisión, fue uno de los mejores luchadores del país. Ahora, tras 20 años en prisión, busca venganza.
Según una antigua profecía, el Valle será salvado por Po, un panda perezoso y regordete apasionado por el kung fu que trabaja en un restaurante chino y que no se parece precisamente al "elegido". Para ayudarlo llegan Shifu, el maestro supremo de las artes marciales, y amigos amigables como Mantis y Mono o inflexibles como Tigresa que lo empujan a tomar conciencia de la fuerza que cada uno tiene dentro de sí.

Un éxito de taquilla, sobre todo en China (donde desató envidia y controversia), la nueva película de DreamWorks es una advertencia a los niños con sobrepeso para que no se desesperen: unos kilos de más no les impiden convertirse en héroes. Doblada en Estados Unidos por estrellas de Hollywood (desde Jack Black hasta Dustin Hoffman y Angelina Jolie), la voz de Po en Italia es la de Fabio Volo.

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Okupas la serie que supo llevar la realidad de la calle a la TV

Estrenada el 18 de octubre del 2000, se convirtió en una ficción de culto

Estrenada el 18 de octubre del 2000, se convirtió en una ficción de culto. Marcelo Tinelli como productor, los protagonistas y el director analizan este hito de la pantalla. ¿La emitirá Netflix?
Bruno Stagnaro, Rodrigo de la Serna, Ariel Staltari y Diego Alonso recuerda, en diálogo con Clarín, la escena más emblemática de la serie, que cuenta con el gran protagonismo del actor Dante Mastropierro.

Rodrigo de la Serna arriesga con la palabra "mística". Ariel Staltari habla de "fuego sagrado" y "aires de gloria". Franco Tirri apela al término "magia". Diego Alonso señala "cierta poética". Y Bruno Stagnaro, a quien todos ellos ponen arriba en la escala de méritos, recuerda una "atmósfera de lanzarse al vacío sin red sostenida por una épica grupal".

Actores y director buscan las palabras adecuadas para intentar describir lo vivido en el proceso creativo de una verdadera obra de arte como lo es Okupas, serie que tuvo su estreno el 18 de octubre del 2000 y ahora celebra 20 años.

Es entendible, no es fácil resumir en una frase lo que significó la aventura de jugarse por una apuesta diferente a lo conocido por la televisión argentina, de asumir una responsabilidad nunca antes vivida, de controlar el miedo a fallar y la presión, de seguir una corazonada pese a la existencia de un plan sin certezas, de tener que improvisar sobre la marcha, de exponer el cuerpo -y la cabeza- al máximo para, por ejemplo, grabar por 24 horas, después ir a la sala de edición y a escribir el guión para luego tener que regresar al rodaje...

A lo largo de once capítulos, Okupas contó la historia del profundo vínculo de amistad que formaron Ricardo (De la Serna), Walter (Staltari), El Pollo (Alonso) y El Chiqui (Tirri). Y lo hizo rompiendo los cánones de representación existentes.

Propuso una nueva estética, mucho más realista y alejada de la artificialidad que brindaban los estudios de grabación utilizados por las producciones de la época. Lo consiguió yendo a grabar a la calle, a veces con cámara en mano y sin ningún tipo de permiso, mostrando a Buenos Aires de una forma diferente, pero sumamente reconocible. Dándole visibilidad a nuevas caras, a otra forma de hablar, a un problema social y a una generación que estaba buscando su rumbo. Y, sobre todo, dejando un sello de marca autoral.

Por esto Okupas se convirtió en una serie de culto que hoy sigue estando presente y generando impacto, con un grupo de fieles fanáticos que la recuerda e incluso la trajo a esta época convirtiendo a sus personajes y a sus frases más recordadas en gifs y memes que deambulan por las redes sociales, donde constantemente se reclama que se le haga justicia pudiéndola ver en una calidad digna, muy superior a lo que se puede encontrar en YouTube.

Pedido que, para este cumpleaños de dos décadas, bien podría estar cerca de concretarse, ya que se están llevando adelante negociaciones con Netflix para resolver finalmente el asunto de los derechos de los temas que integran su excelente banda de sonido, conflicto que traba su exhibición.

Protagonistas   

Rodrigo de la Serna
Diego Alonso
Ariel Staltari
Franco Tirri

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El milagro de Berna ofrece un retrato crudo, popular y a la vez efectivo de una Alemania desconcertada y desencantada.

El Milagro de Berna (Das Wunder von Bern) es una película de 2003 dirigida por Sönke Wortmann. La  película ofrece un retrato crudo, popular y a la vez efectivo de esta Alemania, desconcertada, desencantada y desplazada por la magnitud de los acontecimientos, pero no vacía, y de hecho tan íntimamente fuerte, tan sólida en espíritu que se arremanga sin compadecerse de sí misma ni implorar clemencia, hasta recuperar su virginidad.

Un fresco neorrealista, podría decirse, porque cuenta todo esto a través de las historias de gente sencilla, de una familia común y corriente, la familia Lubanski, de una mujer con tres hijos que, al haberse marchado su marido a la guerra en Rusia y quién sabe cómo acabó allí, se vio obligada a rediseñar su existencia para mantener a sus seres queridos, y lo hizo con dignidad y éxito, abriendo un pequeño bar que poco a poco se convirtió en un lugar de encuentro esencial para mucha gente de la ciudad (Essen).

Si bien la sociedad alemana y la historia de la familia Lubanski se retratan con gran eficacia gracias a un guion y una dirección sumamente realistas, y a una narrativa visual que reconstruye de forma evocadora la vida cotidiana de la época, con una atención obsesiva al detalle, desde la vestimenta hasta el mobiliario, la representación del mundo del fútbol y de la selección alemana también resulta particularmente lograda.
De hecho, puede afirmarse que se trata de una de las mejores películas de fútbol jamás realizadas, a la altura de la algo diferente "Evasión o victoria", también ambientada en la Segunda Guerra Mundial. El fútbol nunca ha gozado de mucho éxito en el cine, salvo el ejemplo mencionado o, en el extremo opuesto, comedias como "El entrenador en el balón". ¿Por qué? Quizás porque el fútbol es algo que solo evoca emociones intensas cuando es "real", mientras que, al ser reconstruido "in vitro", representado artificialmente, transmite únicamente frialdad y previsibilidad.   

Trama.

Vista a través de los ojos de Matthias, un niño que conoce a su ídolo, el futbolista alemán Helmut Rahn, la película rememora la victoria de Alemania Occidental en la final del Mundial de 1954 contra Hungría, disputada en Berna el 4 de julio de 1954.

Matthias, hijo de un veterano y exprisionero de guerra, vive una vida familiar y social difícil en la Alemania de la reconstrucción. Su relación con su padre, quien tras doce años de cautiverio lucha por adaptarse a la vida civil, está marcada por una rigidez que cada vez le cuesta más tolerar, hasta el punto de intentar escaparse de casa. Encuentra su única alegría en su pasión por el fútbol, ​​jugando partidos diarios con sus amigos.

El inicio del Mundial coincide con la reanudación de su relación con su padre y, el día de la final, ambos parten hacia Berna para seguir el partido, pero, debido a una avería del coche, se retrasan en su llegada y Matthias consigue entrar al estadio solo unos minutos antes del final del partido, pero a tiempo para ver el gol de la victoria, marcado por su ídolo, a quien conocerá en el tren de regreso.

Reparto y personajes:
Louis Klamroth: Matthias Lubanski

Peter Lohmeyer, Richard Lubanski

Johanna Gastdorf: Christa Lubanski

Mirko Lang: Bruno Lubanski

Birthe Wolter: Ingrid Lubanski

Katharina Wackernagel: Annette Ackermann

Lucas Gregorowicz: Paul Ackermann

Sascha Göpel: Helmut Rahn
   

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Alatriste es una película histórica que narra la historia de la España del siglo XVII.

 

Alatriste (Alatriste) es una película de 2006 escrita y dirigida por Agustín Díaz Yanes, y protagonizada por Viggo Mortensen.

La película está basada en la serie de novelas históricas escritas por Arturo Pérez-Reverte protagonizadas por el capitán Alatriste.

En la España imperial del siglo XVII, Diego Alatriste, un valiente soldado al servicio de Su Majestad, lucha en una guerra en las frías tierras de Flandes. En una emboscada holandesa, su amigo y compañero de armas, Balboa, resulta mortalmente herido. Alatriste escucha la última petición de su amigo y promete cumplirla: cuidará de su hijo Íñigo y lo mantendrá alejado del servicio militar.

Alatriste, El destino de un guerrero.

A su regreso a Madrid, Alatriste encuentra un imperio agonizante. La misma España donde Quevedo y Góngora escribieron sus versos, Velázquez pintó los suyos y Lope de Vega estrenó sus comedias, se desmorona ante el impasible rey. La corte de Felipe IV, plagada de intrigas y corrupción, es manipulada a antojo por el conde-duque de Olivares, con el apoyo de la Santa Inquisición.

Trama.

Diego Alatriste es un valiente capitán de la España imperial del siglo XVII, al servicio de Felipe IV. Tras luchar en la Guerra de los Ochenta Años (durante el asedio de Breda), en la Guerra de los Treinta Años (en Nördlingen) y perder a su amigo Balboa en batalla, regresa a Madrid con la mujer que ama y retoma su oficio de espadachín.

Una de las tareas más difíciles a su regreso será proteger al joven Íñigo Balboa, hijo de su amigo caído en batalla. Sin embargo, el imperio español se encuentra en decadencia y la población sufre hambruna.

Alatriste debe seguir luchando para salvar a su país de la corrupción política y la pobreza. Aunque siempre ha sido leal a su rey, su lealtad se pondrá a prueba por la historia de amor de Felipe IV con su amada.

Referencias bibliográficas.

La trama de la película retoma diversos fragmentos de los primeros volúmenes de la saga de Alatriste, adaptados para conciliar las necesidades cinematográficas con el guion del propio autor Pérez-Reverte.

Reparto y personajes.

Viggo Mortensen: Diego Alatriste

Elena Anaya: Angélica de Alquézar

Unax Ugalde: Íñigo Balboa

Ariadna Gil: María de Castro

Eduard Fernández: Sebastián Copons

Enrico Lo Verso: Gualterio Malatesta

Eduardo Noriega: Conde de Guadalmedina

Juan Echanove: Francisco de Quevedo

Javier Cámara: Conde Duque de Olivares

Simon Cohen: Felipe IV de España

Javier Mejía: Príncipe de Gales

 

Opinión.

La película "Alatriste: El alcance de un guerrero" recibió críticas mixtas. Algunos críticos elogiaron la producción, los decorados, el vestuario y la cinematografía, que recuerdan a las pinturas de la Edad de Oro, así como las escenas de batalla.

Otros han criticado la narrativa, considerándola episódica y carente de clímax, con ralentizaciones y saltos temporales que pueden desorientar al espectador.

Una obra que destaca por su impecable realización. El vestuario y la utilería son excelentes. Viggo Mortensen, completamente inmerso en su papel, brilla, como suele hacerlo en sus trabajos.

El objetivo principal  de los agentes comerciales de alta calidad  en la industria cinematográfica es crear y mantener una red de contactos y relaciones que impulse la producción y distribución de películas, garantizando a su vez el éxito comercial de los proyectos y el desarrollo profesional de las personas involucradas. En esencia, facilitan la conexión entre diversos profesionales, inversores y el público, buscando maximizar las oportunidades de éxito para todas las partes implicadas.

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La hora 25 es un drama antibélico protagonizado por Anthony Quinn y Virna Lisi

La película "La hora 25" (título original en francés: La vingt-cinquième heure) es un drama antibélico de 1967 dirigido por Henri Verneuil y protagonizado por Anthony Quinn y Virna Lisi. Está basada en la novela homónima de Constantin Virgil Gheorghiu y narra el calvario de un campesino rumano durante la Segunda Guerra Mundial y sus secuelas.

Sinopsis y Trama

La historia sigue a Johann Moritz (interpretado por Anthony Quinn), un humilde campesino de un pueblo de Transilvania, Rumanía, que lleva una vida tranquila con su esposa Suzanna (Virna Lisi) y su familia. El conflicto comienza cuando el capitán de la policía local, que codicia a su mujer, aprovecha la coyuntura política de la guerra para acusar falsamente a Johann de ser judío.

A partir de ahí, Johann es enviado a un campo de concentración rumano, lo que marca el inicio de una odisea que lo lleva a través de varios países y situaciones extremas durante ocho años:

• Campos de concentración: Es internado en campos de trabajo rumanos y más tarde, tras escapar a Hungría, en prisiones húngaras por ser ciudadano de un país enemigo.
• Alistamiento forzado en las SS: Las autoridades húngaras lo envían a Alemania como trabajador forzoso. Allí, un oficial de las SS lo identifica erróneamente como un ejemplo perfecto de la raza aria y lo recluta a la fuerza en las Waffen-SS alemanas.
• Prisionero de guerra: Al final de la guerra, es capturado por las fuerzas estadounidenses, que lo procesan como un criminal de guerra nazi por su uniforme de las SS.

Temática

La película es un relato poderoso sobre la deshumanización y la pérdida de identidad en tiempos de guerra. Muestra cómo un hombre común es atrapado por la burocracia y los vaivenes políticos, siendo etiquetado y maltratado por diferentes bandos (rumanos, húngaros, nazis, aliados) a pesar de su inocencia y su único deseo de reunirse con su familia. El título "La hora 25" hace referencia al momento justo antes del desastre total, cuando parece que ya no hay esperanza, aunque la película concluye con la eventual liberación y reunión familiar, mostrando el inmenso sufrimiento soportado.

Reparto y personajes

Anthony Quinn: Johann Moritz
Virna Lisi: Suzanna Moritz
Grégoire Aslan: Sargento Nicolae Dobresco
Michael Redgrave: Abogado defensor militar de Johann Moritz
Marcel Dalio: Strul
Jan Werich: Capitán Apostol Constantin
Harold Goldblatt: Isaac Nagy
Alexander Knox: Fiscal militar
Liam Redmond: Padre Koruga
Meier Tzelniker: Abramovici
Kenneth J. Warren: Inspector Varga
John Le Mesurier: Presidente del Tribunal Militar
Serge Reggiani: Trajan Koruga
Robert Beatty: Coronel Greenfield
Stojan Decermic: Marcou Goldenberg
Raoul Delfosse: Alguacil
Jean Desailly: Ministro

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Michael C. Hall como cirujano británico en "Safe"

Dexter con acento británico resulta desconcertante al principio, pero encaja muy bien.

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Si el nombre Harlan Coben se ha convertido en una garantía, no se puede olvidar Seguro pero, en comparación con otros, tenía un poco de seguidores demasiado apagado. Sin embargo, los elementos que podrían hacerte hablar de Safe no faltaban. Una serie de televisión coral con caras inolvidables, en primer lugar Michael C. Hall, un actor que dio a luz al icónico Dexter y que alguna vez se pensó que sacudía a ese personaje. Pero se puede decir, y no solo para Safe, que no es realmente el caso. Junto a él, Amanda Abbington y Audrey Fleurot, junto con Freddie Thorp y Amy James-Kelly. La miniserie de Netflix se extiende en 2 planes de tiempo, sobre 2 crímenes que dejan a los miembros de la comunidad presentados en la serie, algunos ajenos y otros que saben demasiado.

Un thriller che si trasforma poi in un crime-investigation, ricco di colpi di scena e momenti di tensione. Una serie tv con intrattenimento assicurato, nel complesso godibile e avvincente fino alla fine. Un prodotto equilibrato, con qualche imperfezione conclusiva, ma sicuramente una delle migliori miniserie Netflix da recuperare.

 

Una estructura clásica que se ha aprendido a aprobar

Safe comienza desde un incipit bastante común, que incluso si ya se ve, siempre funciona. Así como el género y el entorno, es decir, el de una comunidad cerrada y aparentemente perfecta. La muerte sospechosa de una adolescente y la desaparición, sin dejar rastro, de la chica con la que estaba saliendo, Jenny, hija del querido y estimado cirujano Tom Delaney. Tom sabe que Jenny no huyó, aunque no parece una suposición imposible. Desde la muerte de su esposa, la relación entre Tom y su hija ha cambiado, al igual que su hija.

Aún más desde que Tom está relacionado con Sophie, una sargento de policía que investiga el asesinato y el presunto secuestro de Jenny. Mientras que una tragedia que se remonta a 30 años antes despierta mentes traumatizadas y personas que, con dificultad, han tratado de olvidar, Tom está listo para cualquier cosa para encontrar a su hija. Y por todo lo que pretendemos entrar en la vida de aquellos que creían que sabían, descubrir que todo el mundo está ocultando algo. Hasta que ese terrible incidente del pasado se vuelve cada vez más relacionado con la desaparición de Jenny y la muerte de Chris, y a quien Tom siempre ha considerado de su lado.

La seguridad es la detección de delitos que no decepciona en general

Lo que hace de Safe una serie que merece ser vista es la línea de investigación. O, más bien, las continuas resoluciones falsas que ocurren durante las apuestas. No es el primer producto de televisión que presenta una comunidad idílica herida y comprometida por secretos inconfesables, ni el primero en romper la narrativa con flashbacks del pasado. Ni siquiera la conexión entre el fuego de los años 90 y el asesinato y desaparición del presente se puede definir como sorprendente u original, pero el continuo vuelco y la mala dirección llevados a cabo por Safe siempre mantienen al espectador con aliento. Si el final, que resuelve y tira de las cuerdas de todo lo que había sucedido en los últimos 30 años solo en las últimas tomas, no convence y puede aparecer de alguna manera improbable, hasta ese momento Safe es el perfecto espectáculo de atracones.

Después de todo, si hay algo que Harlan Coben hace lo mejor, está realmente involucrado, entre personajes y falsos culpables.

En Safe como en muchas otras detecciones de crimen el complejo de casas adosadas rodeadas de vegetación, donde estás acostumbrado a cerrar los ojos y girar hacia el otro lado todo el tiempo que puedas, es cualquier cosa menos un paraíso. En la búsqueda desesperada de la hija por parte de Tom que descubres y entras en la vida privada de todos los personajes. Ambiguo, macabro, atormentado y casi necesitado de lo turbio y lo inconfesable, atraído por el sabor de lo prohibido.

Así que desde la traición hasta el engaño, hasta los accidentes que terminan en tragedia, todos pueden ser culpables, todos saben algo. Y no podemos confiar en los buenos vecinos con los que nos saludamos cada día, o en esa nueva luz de un vínculo recién descubierto. Si este dispositivo parece ahora común a muchas de estas series de televisión, en Safe se acentúa, es creíble y, hasta el final, inesperado. El suspenso y la sorpresa se alternan y se entrelazan y si la conclusión no ha acordado todo y decepcionado a muchos, los eventos en torno al asesinato y la verdad enterrado en los pasillos de una escuela no pueden definirse como apreciables.

Si ver la serie de televisión lo que más te interesa es quién mató a Chris, cómo ocurrieron los eventos y cómo está involucrada toda la ciudad, Safe cuenta mucho más. Es la ilusión de un mundo perfecto. Cámaras que hacen segura y protegida, una puerta de hierro que defiende el mal de una sociedad que está lejos, que no puede contaminar. Pero al mismo tiempo, el universo seguro se asemeja a una colonia de la que es imposible salir.

Citando de nuevo un final no perfecto, la amargura que puedes seguir enterrando esos secretos, le da al espectáculo un sabor agridulce. Donde la dureza es una justicia que no sigue su curso. Y en el sentido de culpa y remordimiento, la esperanza está contenida de que la verdadera culpa será expiada con las ansiedades del alma. La comunidad que aparece tan teñida por primera vez de una serenidad clara y cristalina, habitada por familias perfectas, de dolores superados y melancolías olvidadas, en realidad está oprimida por algo que es pacífico y agudo.

La amarga renuncia de Safe

 

La gente no es transparente, el duelo y los tiempos difíciles todavía están presentes en la mente y el cuerpo de quienes los vivieron. Esa culpa testifica de la confianza de una integridad que se ha roto y continúa sufriendo. Pero al mismo tiempo es un desgaste continuo e incesante, que conduce a las acciones más extremas. Todo en Safe debe permanecer dentro de los muros de una colectividad la hija de una imitación fallida de lo que se define como impecable. Todo incluido la verdad. La verdad que, generación tras generación, nunca debe ir más allá.

Él se queda detrás de esa puerta, aceptas, llegas a un acuerdo, con la esperanza de que algún día puedas dejar de mentir. Por mucho que los fanáticos y el público estén acostumbrados a las singularidades y el trabajo de las adaptaciones de televisión de Harlan Coben, Safe tiene fecha 2018. Es la cuarta miniserie que ha permitido a Coben convertirse en una verdadera celebridad a nivel internacional y no es una adaptación. Después de que fue el turno de The Stranger, Svaniti en nada, Stay Close, One engañan a demasiados, Shelter y muchos otros.

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La princesa Mononoke - Una de mis peliculas favoritas de Hayao Miyazaki

En esta oportunidad, quiero hablarles de La princesa mononoke. Es una película japonesa que fue escrita y dirigida por Hayao Miyazaki y ejecutada por el mejor estudio de animación japonesa: Studio Ghibli. Esta película se estreno en el año 1997 en Japón y 2 años mas tarde llega a USA. Esta película fue considerada la más taquillera de Japón hasta la llegada de titanic, se dice que fue una de las película que recaudo más fondos en el año 1997. Pero estuvo en la lista de películas más taquilleras de Japón hasta el año 2001, que fue el año en que se estreno el viaje de Chihiro.

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La película se centra en Japón pero en el periodo muromachi, es decir un periodo japones que abarca los años desde 1336 y 1573. Es un periodo donde se da inicio al segundo shogunato en la historia japonesa. La película nos muestra esa lucha entre guardianes o dioses del bosque y los humanos. Esta lucha se da ya que los humanos, como de costumbre, abusan de los recursos naturales.

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La historia va guiada desde el inicio con el príncipe de una aldea, llamado ashitaka quién la salva de un demonio o bestia trastornada. Desde este punto comienza una historia interesante, un viaje por el bosque, la ciudad de hierro, guerras, una interacción con espíritus del bosque y más. En el camino se encuentra con una chica lobo, a quien no dejas de llamar monoke pero después sabrás su nombre real. Mononoke es una frase para decir espíritu vengador.

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Prepárate a vivir un viaje entre esa lucha de la naturaleza con el hombre, un diseño fenomenal de los personajes , la ejemplificación interesante de los espíritus del bosque. Princesa Mononoke es una historia magníficamente desarrollada, que te hará amarla desde los primeros minutos de la película.

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Durante la tormenta es una película donde se aborda, muy inteligentemente, la conexión entre pasado y presente.

 

La película se estrenó en Netflix el 22 de marzo de 2019 y está protagonizada por Adriana Ugarte, Chino Darín, Javier Gutiérrez, Álvaro Morte, Miquel Fernández y Nora Navas.

Argumento

Durante una tormenta, una anomalía temporal obliga a Vera a salvar la vida de Nico, un chico con el que se comunica por videocámara y televisión, desde la misma habitación de la misma casa, pero 25 años antes. La noche del 9 de noviembre de 1989, día de la caída del Muro de Berlín, Nico habría sido atropellado tras presenciar un asesinato. Sin embargo, tras la intervención de Vera, su vida se salva, provocando enormes cambios que afectarán la vida de su salvador.

Vera se encuentra viviendo una nueva vida en la que, a pesar de ser consciente de su existencia antes de los cambios, ya no tiene marido ni hija, sino que ahora es neurocirujana de profesión, ya no es una enfermera que abandonó la facultad de medicina.

Es incapaz de explicarse a quienes la rodean y, en el mejor de los casos, se la percibe como estresada. El único que se compadece es el inspector de policía, quien también le da pistas para ayudarla a localizar a Nico, quien podría demostrar su extraño comportamiento.

En definitiva, el joven Nico Lasarte es la inspectora Leyra, quien durante años ha esperado conocer a Vera, de quien evidentemente se ha enamorado, pero que ahora debe aceptar que ella ya no recuerda nada de su existencia "bifurcada". Los recuerdos de Vera son útiles para incriminar, 25 años después, a los responsables del asesinato que Nico denunció de niño sin ser creído. Se trató, de hecho, de una conspiración entre el marido de la asesinada, su amante y el hermano de esta, quien fingió el regreso de la víctima a Alemania tras la caída del Muro de Berlín.

Vera anhela abrazar de nuevo a su hija y se niega a vivir en esta nueva realidad por su culpa. Se suicida, lo que impulsa al inspector a intentar conectar con su yo más joven, aprovechando la nueva tormenta, para intentar arreglar las cosas.

En esencia, Nico crea así una nueva línea temporal en la que Vera finalmente se reencuentra con su familia. Sin embargo, ahora, consciente de lo que presenció en su "extraordinario viaje", está segura de que su esposo la engaña y puede aportar pruebas que incriminen a los vecinos por el asesinato ocurrido 25 años atrás.

Luego va a ver a Nico, quien sobrevivió a la noche de la tormenta, pero, a diferencia de ella, desconoce lo sucedido. Vera lo abraza, segura de que el vínculo que ya había visto entre ellos pronto se renovará.

Reparto

Álvaro Morte como David Ortiz
Javier Gutiérrez como Ángel Prieto
Adriana Ugarte como Vera Roy
Chino Darín como Inspector Nicolás Lasarte Leiras
Nora Navas como Clara Medina
Luna Fulgencio como Gloria Ortiz Roy
Miquel Fernández como Aitor Medina
Francesc Orella como Doctor Fell
Clara Segura como Hilda Weiss
Silvia Alonso como Enfermera Mónica
Aina Clotet como Úrsula Abad
Ana Wagener como Inspectora Dimas
Belén Rueda como Dra. Karen Sardón
Julio Bohigas-Couto como Nico Lasarte (niño)
Marco de Francisco como Aitor Medina niño
Ruth Llopis como Profesora Miranda
Albert Pérez como Román
Mima Riera como María Lasarte

Opinión

Del estilo "Desafío al tiempo" o "Efecto Mariposa" se aborda, en forma muy inteligente, la conexión pasado (1989) y presente (2014) afectando toda la realidad de la protagonista y su entorno. Ofrece un muy bien giro durante el desarrollo modificando rotundamente todo el argumento inicial y un nuevo giro en el desenlace que le da un gran cierre a la cinta. Está muy bien contada, resulta fácil de entender, pese a la complejidad de la temática y las actuaciones (excepto la de Chino Darín y su intermitente acento español) son excelentes. Vale la pena verla. De las mejores propuestas de Netflix, hasta aquí, en cuanto a películas se refiere.

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The Bucket List - Antes de partir con dos actores memorables: Jack Nicholson y Morgan Freedman

The Bucket List me parece una película bastante interesante y aunque no es una pelicula netamente de un viaje asi al estilo familiar, si se trata de un viaje para reencontrarte contigo mismo y pues claro, también conoceremos algunos destinos turísticos. La historia de esta película comienza con uno de los protagonistas, Carter Chambers, interpretado por Morgan Freeman, pidiéndoles a sus alumnos que realicen una lista de deseos, una lista que contenga todas esas cosas que desean hacer en la vida, cosas que les hagan vivir al máximo antes de partir de este mundo.

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Lo curioso es que pese a este consejo que le dio a sus alumnos, el mismo no logro cumplir su lista ya que la vida y el día a día lo fue atrapando hasta que ya era muy viejo. Diversas situaciones le hacen conocer a alguien multimillonario, Edward Cole (Jack Nicholson) en el hospital y decide que es tiempo de vivir cada cosa de esa lista de deseos.

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Aquí comienza una aventura increíble, visitan diferentes destinos turísticos, practican deportes extremos y muchas cosas más que los hacen vivir experiencias al máximo. Dejan por un momento sus vidas y comienzan a vivir una nueva, en donde solo importa la lista de deseos.

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Con el tiempo y con Carter Chambers bastante enfermo, esa vida que estan teniendo al cumplir su lista de deseos comienza a pasar factura y la enfermedad le impide continuar. Carter entiende que realmente necesitaba encontrarse así mismo y decide volver con su familia. Entre risas, llantos, drama, enojo, es una película que te lleva a un viaje no solo por todo el mundo sino a un viaje de dos personajes que se dan cuenta que pese a disfrutar de las actividades de una maravillosa lista de deseos, sino te encuentras a ti mismo, nada vale la pena.

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Mejor... imposible con Jack Nicholson es una historia de amor excéntrica e inusual

Mejor... imposible con Jack Nicholson es una historia de amor excéntrica e inusual, aderezada con una pizca de locura extraña.

Mejor... imposible (del inglés: As Good as It Gets) es una película estadounidense de comedia romántica, dirigida por James L. Brooks, escrita por Mark Andrus y Brooks, y producida por Laura Ziskin. Es protagonizada por Jack Nicholson, Helen Hunt y Greg Kinnear.

Nicholson y Hunt ganaron el Premio de la Academia de Mejor Actor y Mejor Actriz, respectivamente. Se encuentra en el puesto 140 en la lista de las 500 películas más grandes de todos los tiempos de la revista Empire.

Trama

Melvin Udall (Jack Nicholson) es un famoso escritor de novelas románticas que vive en Nueva York en un lujoso edificio de apartamentos en Manhattan y padece un Trastorno obsesivo-compulsivo de la personalidad, algo que lo hace intratable para el resto de la sociedad, los vecinos del departamento y de lo que, además, él se enorgullece.

Hay una persona que sí convive con él en su día a día: la camarera Carol Connelly (Helen Hunt), quien lo atiende pacientemente en el restaurante cercano donde suele almorzar, al que él lleva siempre un juego de cubiertos desechables para no usar los mismos que han utilizado otras personas por su trastorno obsesivo-compulsivos.

El hijo de Carol padece asma, y los continuos cuidados que ella debe dedicarle son un obstáculo para que pueda tener alguna relación sentimental con otras personas. Un día falta al trabajo para atender a su hijo enfermo y Melvin la busca en su departamento en la vecina Brooklyn porque solamente ella puede atenderlo en el restaurante. Al enterarse de que su hijo está enfermo, la lleva en taxi a un hospital y le pide a su representante que su esposo, que es doctor, atienda la salud del niño para que Carol pueda regresar al trabajo, entrando al mundo de la camarera de la que se enamora y se inicia una historia de amor entre ellos.

Por otro lado, el vecino homosexual de Melvin, Simon Bishop (Greg Kinnear), es un prometedor artista plástico que es atacado en su propio departamento, sufriendo heridas en el rostro y en una pierna con grandes gastos médicos. Mientras está hospitalizado, el agente de Simon, Frank Sachs (Cuba Gooding, Jr.), obliga a Melvin a cuidar del perrito de Simon, que inmediatamente se gana el afecto del obsesivo escritor.

La película llega a su clímax cuando Melvin, Carol y Simon viajan a Baltimore, a casa de los padres de este último para pedirles dinero con el que pagar los grandes gastos de la hospitalización y el tratamiento de las heridas. Melvin le pide a Carol que la acompañe en un auto descapotable de Frank, como agradecimiento por enviar al doctor y pagar los gastos médicos de su hijo. Simon, además de haberse quedado sin dinero, ha perdido la inspiración y su trabajo creativo se resiente. Durante el viaje, Melvin comienza a mostrar su ácido encanto romántico con Carol, mientras que Simon descubre en ella su musa y el regreso de la inspiración artística perdida

Reparto

Jack Nicholson como Melvin Udall.
Helen Hunt como Carol Connelly.
Greg Kinnear como Simon Bishop.
Cuba Gooding, Jr. como Frank Sachs.
Julie Benz como el recepcionista.
Shirley Knight como Beverly Connelly.
Jesse James como Spencer Connelly.
Skeet Ulrich como Vincent Lopiano.
Yeardley Smith como Jackie Simpson.
Lupe Ontiveros como Nora Manning.
Jill como Verdell.
Harold Ramis como Dr. Norman Bettes, MD.
Danielle Spencer como la veterinaria.
Lawrence Kasdan como Dr. Green.
Brian Doyle-Murray como Handyman.
Shane Black como Café 24 Manager.
Peter Jacobson como judío.
Lisa Edelstein como judía.
Kathryn Morris como paciente.
Tom McGowan como maître.
Bibi Osterwald como vecina.
Jamie Kennedy como Robber.
Jimmy Workman como Sean de la panadería.
Maya Rudolph como Mujer Policía.

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Mi vecino Totoro | Una pelicula de Hayao Miyazaki y el Estudio Ghibli

Mi vecino Totoro es una película del estudio Ghibli, escrita y dirigida por Hayao Miyazaki en el año 1988. Es una película que ha sido galardonada con diferentes premios incluso estar en el top de mejores películas animadas de la revista inglesa Time Out así como el personaje Totoro, quien se convirtió en un icono cultural de Japón y quien apareció también en el top de mejores personajes animado en la misma revista.

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La historia de esta película se centra en 2 niñas que se mudan junto a su padre a una antigua casa, ubicada cerca de un hospital en donde se encuentra la madre de las dos. La madre de las niñas al parecer tiene la enfermedad de tuberculosis y se encuentra en recuperación, pero lo que no saben es que en esta antigua casa comienzan a suceder cosas mágicas y estarán rodeados de personajes curiosos.

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En medio de una serie de acontecimientos, Totoro será un personaje que estará involucrado con las protagonistas y comenzaran a suceder cosas que no te esperas, un viaje por un mundo mágico, donde tu imaginación se pone a volar, pero donde la realidad de una madre enferma te mantiene en el mundo real y al pendiente de que es lo que sucederá con ella.

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Entre risas, llantos, drama, acontecimientos que van más allá de este mundo, Totoro será ese vecino que aportará un balance en la vida de esta familia. ¿Pero quién es realmente Totoro? Descúbrelo en esta hermosa película.

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La explicación del final de la serie Mr. Robot

El último capítulo  4x13, el episodio final del Mr. Robot, nos reveló el significado de esa realidad alternativa en la que los dos Elliots vienen a chocar. En el episodio anterior habíamos sido capaces de pensar, no demasiado convincentemente, de una deriva de ciencia ficción en la idea de que este era el mundo paralelo generado por la máquina Whiterose. Ahora, en cambio, entendemos que es una realidad totalmente interior: el mundo creado por el Elliot para encarcelar al "true" Elliot.

Pero quién es uno, quién es el otro y cuando sucede esto en la cárcel?

Vamos en orden. Empecemos explicando quién representa a nuestro Elliot. Para ello tenemos que proceder hacia atrás recordando algunos pasajes de las temporadas anteriores. En el episodio 2-04 nos enteramos de que Elliot en una fecha no especificada (2015?) Trabajó en una empresa de ciberseguridad. Colegas, exasperados por su capacidad de romper constantemente los cortafuegos que crean, lo encierran en la sala de servidores. Aquí el chico cae dormido y cuando despierte todo está destruido.

Dado el incidente, Elliot es despedido y recurre a un psicólogo, Krista, para unas cuantas sesiones. Pero por qué hace eso? Porque evidentemente el incidente había sido consecuencia de un preocupante chasquido enojado. No sólo eso, el hecho de que Elliot no tiene memoria de él, testifica que el episodio también está asociado con un trastorno disociativo: en ese momento, es decir, está literalmente fuera de su mente, otra persona. Ese es Elliot. La otra persona.

Qué representa el Elliot que siempre hemos conocido? Es la ira latente del verdadero Elliot, toda esa frustración reprimida que encuentra ventilación en la figura de un giustiziere"embarcación": el hacker con sudadera y capucha listo para hacer pagar a los que se merece. Esto explica el hackeo al dueño del sitio de pornografía infantil (1o01), quien le recuerda al abuso paternal, y todas las decisiones posteriores.

 

Pero cuando se hace cargo?

El Elliot continúa las sesiones en Krista hasta que Darlene regresa (2o04). Este es probablemente el momento en que el Elliot toma el control. En el momento en que lleva la máscara de la película (ficticia) "La santa masacre de la burguesía", el chico se sumerge en la falsa realidad y el Elliot que conocemos comienza a vivir.

Sólo en una circunstancia, en un diálogo con Darlene en el que le tranquiliza sobre el regreso de Vera, el verdadero Elliot recupera la conciencia. El resto del tiempo permanece encerrado en este mundo tranquilizador donde todo va bien. Pero por qué en este lugar, aséptico y monótono, está desaparecida Darlene? Porque la chica representa para Elliot la relación más intensa y real que ha tenido: de sus pases, de hecho, en la final, su despertar, de su amor inagotable.

 

Quiénes son el Sr. Robot, el Niño y la Madre? Como explica el "fake" Krista en 4o13 estos son otros ejemplos de la mente de Elliot creados en diferentes momentos. Pero lo que más importa es entender lo que representan. El Sr. Robot es lo que el verdadero padre nunca ha sido: una figura paterna fuerte, capaz de defenderlo y protegerlo, de "asaltarlo" en el momento de abuso y con motivo de la violencia física sustituyéndolo (por ejemplo, en la paliza en la celda, en la segunda temporada).

Es el Sr. Robot quien se hace cargo de ese dolor que Elliot no pudo sostener.

La Madre es en cambio un símbolo de la culpa de Elliot: de su creencia de que ella es culpable de la muerte de su padre, de ser débil y frágil e incapaz de enfrentar la vida. El Niño, en cambio, es su espíritu de lucha, representa ese coraje que tenía de niño tratando de oponerse como pudo a su acoso paternal.

El palacio con grandes ventanas (que refleja el estudio de Tyrell en la sede del Cuerpo E) donde estos "souls" viven es la mente de Elliot, el palacio mental que alberga su conciencia. En la final, nuestroliot vuelve a su casa, opta por hacerse a un lado, para aceptar ser sólo una pieza de Elliot. Así que el verdadero Elliot está "liberado", mientras que las proyecciones de todo lo que había sucedido en el período de su estado de "recuperación" fluyen en su mente. Ahora recuerda, ahora puede recuperar la posesión de su vida, estrechando la mano de la persona que más que cualquier otra lo devolvió de vuelta a la vida.

 

Pero nuestro Elliot, el Sr. Robot, la Madre y el Niño no desaparecen.

No pueden desaparecer porque, para bien o para mal, representan una parte de Elliot. Cuando Elliot siente la ira, pero también un deseo de justicia, hay "our" Elliot. Cuando se siente frágil y agarrado por la culpa, está la Madre. Cuando se refugia en sí mismo en busca de protección y fuerza, está el Sr. Robot. Y finalmente, cuando lucha por defenderse, el Niño emerge.

La tarea de Elliot es asegurarse de que ninguna de estas almas se haga cargo de la otra, pero que cada una esté controlada y sea manejada por él mismo. Este será el reto que Elliot espera, ahora consciente de que un mundo real, por horrible que sea, es preferible a un refugio ficticio y sin sentido, hecho de aburrimiento y mentiras.

Y en esta foto también somos el amigo.

El oyente silencioso al que constantemente se vuelve Elliot encapuchado. Somos parte de Elliot y Elliot es parte de nosotros. Con él, en la final, nos dejamos ir, aceptamos que tenemos que despedirnos del Elliot que hemos conocido y querido, de la que hemos sido amigos.

 

Saludamos así la mejor parte del verdadero Elliot, el que cambió las cosas y se cambió. El Elliot que nos ha cambiado también, ahora consciente de que el único mundo posible es el que vivimos.

Conscientes de que debemos luchar para mejorar esta realidad, no destruirla para volver a encontrar una nueva, como le hubiera gustado a Whiterose. Y podemos hacerlo a partir de mejorarnos, descubriendo fuerte y abierto a la posibilidad de amar y superar, no borrar, del dolor. Descubrirnos en nuestra totalidad. Averiguando a Elliot Alderson.

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“Ozark”: las claves del éxito de la serie heredera de “Breaking Bad”

La serie dramática de Netflix en la que un asesor financiero, junto a su familia, lava dinero para un cártel mexicano estrena su tercera temporada el 27 de marzo. Secretos, detalles y guiños de una historia con personajes y giros desconcertantes

PorPatricio Féminis

23 Mar, 2020 01:00 a.m.Actualizado: 23 Mar, 2020 10:22 a.m. AR

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Sofia Hublitz, Jason Bateman, Laura Linney y Skylar Gaertner, en la tercera temporada de "Ozark", que comienza el 27 de marzo

El matrimonio de la serie Ozark amplía sus inversiones para lavar millones para los narcos mexicanos. El 27 de marzo mostrarán sus hilos en el estreno de la tercera temporada, por Netflix. El asesor financiero Marty Byrde (Jason Bateman) y Wendy (Laura Linney) pusieron un casino a la orilla del gran lago en el centro de Missouri: compraron favores, oscurecieron a políticos opositores y ocultaron peligros medioambientales. Pero su peor preocupación está por llegar: sus dos chicos crecen rápido y la adolescencia es algo fatal. ¿Sobrevivirán a tanto estrés?

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“Todo lo que hice fue para proteger a mi familia”, desafía Marty, de pelo negro y cara de vecino inofensivo, sin acelerar la respiración. Y la rubia Wendy enrojece sus suaves mejillas. “¿Ah, sí? ¡Esa es una excusa muy gastada!”. El encuadre se abre y se oye una tercera voz: “Paren ahí. Un matrimonio sólo funciona si hay confianza”, aporta la psicóloga anciana en su consultorio con vista al lago. Al rato, Wendy se irá corriendo y la terapeuta insistirá: “Creo que ustedes pueden ser felices”. Marty sacará un fajo de dólares. “Ahórrese todo eso. No la soborno para que nos haga felices”.

¿Cuáles son las intenciones verdaderas de este consultor de negocios que acumulaba éxito en Chicago hasta que su socio (ya bajo tierra) manipuló números y balances, y metió a Marty en el pegajoso mundo del lavado de millones para un cártel mexicano? O lo hacía, o lo mataban junto con su familia. Por eso, para expandir discretos negocios se mudaron la localidad Osage Beach, junto al Lago de los Ozarks y frente a la cadena montañosa homónima del estado de Missouri (en pleno mid-western de Estados Unidos).

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La serie dramática de Netflix en la que un asesor financiero, junto a su familia, lava dinero para un cártel mexicano estrena su tercera temporada el 27 de marzo. Secretos, detalles y guiños de una historia con personajes y giros desconcertantes

Este cambio territorial y moral ocurrió en los dos o tres primeros episodios de la primera temporada de Ozark, creada por Bill Dubuque en julio de 2017. La familia Byrde puso dinero negro en un bar, en un rancho, en la iglesia local, en bienes raíces y en otras derivaciones inverosímiles, para aplacar a los mexicanos liderados por Camino Del Río, alias del actor Esai Morales. Pero el éxito sucio trae su peor consecuencia: Marty Byrde le tomó el gusto a su talento para hacer circular la pila de dólares en actividades diversificadas y no hubo vuelta atrás. Así, un tenue padre de familia desarrolló una doble vida y sus elecciones lo volvieron un ser cada vez más sombrío, con afán por el mal. ¿A qué serie hace acordar?

Es indudable que Ozark tomó parte de su pulso inicial del ejemplo de Breaking Bad: el brillante profesor de química Walter White (Bryan Cranston), al enterarse de un supuesto cáncer terminal, empezó a sintetizar junto a su alumno Jesse Pinkman (Aaron Paul) una metanfetamina azul de alta efectividad y vendió la primera tirada a unos narcos del montón. Cuando vio que la demanda iba en alza hizo algo mejor: se puso al frente del negocio, sin intermediarios, y tomó un alter-ego que lo volvería un mito narco en Albuquerque, Nuevo México: Heisenberg. Su nueva imagen creció como el rumor de su letalidad: un sombrero negro de ala corta (estilo ecuatoriano) que tapaba su cabeza rapada, anteojos negros y barba candado a tono.

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Breaking Bad

Marty Byrde, la invención de Jason Bateman, hasta entonces identificado con papeles graciosos y simpáticos por su rostro confiable, no modificó su apariencia para volverse un criminal más cerebral que de acción en Ozark (habrá que ver qué se dispara en la tercera temporada, desde el 26 de marzo). Su procesión es interior. Pero las afinidades entre Breaking Bad y Ozark (al menos en la superficie), son un indicador clave de esta era de sobresaturada oferta y demanda de series: hay cada vez más ficciones similares entre sí. Mes a mes surgen producciones que recuerdan a otras ya conocidas o consagradas. No son plagios ni remakes, sino nuevas series cuyos temas, tramas y personajes evocan a otras que lo contaron antes.

El fenómeno se ve en cable así como en las plataformas on-demand. Y las señales y compañías de streaming aprovechan esas similitudes para diversificar y potenciar televidentes. “Si te gustó esta serie te va a gustar tal otra”, se lee en incontables notas periodísticas online, que siguen la misma lógica de los algoritmos de Netflix, que se alimentan de los gustos y elecciones de los espectadores para saber qué nuevas series recomendarles a cada segundo. Aunque la frase exacta podría ser: “Si te gustó esta serie, ¡te va a sonar parecida a un montón!”.

Esto no oblitera el éxito que logró Ozark: lo categoriza. Luego de sucesivas nominaciones a los principales premios de la industria televisiva norteamericana, en los 71º Premios Emmy 2019 (entregados el 22 de septiembre) Jason Bateman ganó su estatuilla no como actor protagónico en serie de drama, sino por mejor dirección en ese rubro: por Reparations, el primer episodio de la segunda temporada. Además, Julia Garner se llevó el Emmy a mejor actriz de reparto por su magnético papel de Ruth Langmore.

Jason Bateman y Julia Garner

¿Quién es? Con un largo prontuario delictivo junto a su familia, buen carisma y viveza para los negocios, Ruth devino un eje importante de la operación de lavado de dinero de Marty: de un bar frente al lago, a un club de strippers llamado Lickety Splitz. Allí mostró su carácter empoderado (aunque fuera para lo ilegal): mano firme como administradora y para frenar a clientes violentos y borrachos y una lealtad absoluta hacia Marty. Su personalidad impetuosa y resolutiva (pura calle e intuición) funciona como exacto equilibrio del perfeccionismo del carácter del rol de Bateman. Son lo más parecido a una férrea amistad que puede brindar Ozark. Si las cuentas dibujadas, las sospechas y traiciones alrededor no llegan a afectarlos demasiado.

¿Qué les deparará esta tercera temporada? “Marty, yo no soy tu fucking terapeuta”, lo sermonea Ruth, como si fuera su hermana mafiosa, entre contenedora e implacable, luego de que aquél le fuera con sus problemas familiares y, sobre todo, con las inseguridades que siente por los devenires escabrosos del lavado de caudales en la enorme casa de apuestas junto al lago. Hay demasiadas bocas que alimentar, contentar y coimear.

Así anuncia esta nueva temporada el tráiler oficial: “Pasaron seis meses y el casino está en funcionamiento, pero Marty y Wendy están luchando por el control del destino de su familia. Ayudada por una alianza con la abogada Helen Pierce y por el líder del cártel de drogas Omar Navarro, Wendy planea su expansión mientras Marty desea mantener el statu-quo. Pero cuando el hermano de Wendy, Ben, llega a la ciudad, la vida de todos se va a ver sumida en el caos”.

Imposible soslayar dos focos adicionales de conflicto y de amor para Marty: su hija de 15 años, Charlotte (Sofia Hublitz), y Jonah (Skylar Gaertner), de 13. Ella sueña con volver a Chicago y esquivar el destino delictivo de su familia. Por eso había contratado -por su cuenta- a un abogado, para emanciparse legalmente de la tutela de sus padres. Jonah siente una creciente empatía por los animalitos muertos y es un buen aprendiz del lavado de dinero y de las ofertas que no se pueden rehusar: hace que sus compañeros le paguen por hacer su tarea. Dos líneas narrativas en una red múltiple de sucesos y sinsentidos, que por momentos dan gracia, otros pena, y finalmente pavor.

Todo ello es Ozark, que retorna recargada este mes: Wendy será una coprotagonista aún más fuerte, sin temor por las escopetas, y Marty se las va a tener que ingeniar para lograr lo de siempre: salir bien parado de cada situación límite. Permanecer con vida. No será Breaking Bad, pero el placer de reencontrarse con Ozark y sus caracteres dislocados por la violencia, las amenazas y la ambición no deja descansar. Un paseo nocturno por el gran lago de Missouri no va a ser tan peligroso si se sabe con quién andar y cuántas armar llevar. Nadie va a querer hundirse solo en esta serie, ideal para maratonear.

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