Las 20 mejores 2series de televisión de ciencia ficción

 

Si buscamos las 20 series de ciencia ficción más importantes y recomendables de la historia de la televisión, no me limitaría a las mejor puntuadas: tendría en cuenta calidad, influencia, originalidad, importancia histórica, profundidad temática, personajes y legado. Esto permite incluir clásicos como Star Trek junto con producciones modernas como Severance o The Expanse. Rotten Tomatoes, por ejemplo, coloca entre sus primeras posiciones a Battlestar Galactica, Doctor Who, The X-Files, Star Trek: The Next Generation y Star Trek. RRotten Tomatoes Editorial+1

Las 20 grandes series de ciencia ficción

1. Battlestar Galactica — 2004-2009

Género: ciencia ficción espacial, drama político, supervivencia.
Temporadas: 4 + miniserie inicial.

Probablemente una de las mejores combinaciones de ciencia ficción, política y drama humano jamás realizadas para televisión.

La humanidad ha creado a los Cylons, seres artificiales que terminan rebelándose. Tras un ataque devastador, apenas unos miles de humanos sobreviven y escapan en una flota espacial dirigida por la nave Galactica.

La serie no se limita a mostrar batallas espaciales. Trata sobre supervivencia, religión, democracia, autoritarismo, terrorismo, identidad y qué significa ser humano.

Intérpretes principales:

• Edward James Olmos — William Adama.
• Mary McDonnell — Laura Roslin.
• Katee Sackhoff — Kara "Starbuck" Thrace.
• Jamie Bamber — Lee "Apollo" Adama.
• James Callis — Gaius Baltar.
• Tricia Helfer — Número Seis.
• Grace Park — Sharon "Boomer" Valerii.

Por qué verla: es probablemente mi número 1 si buscas ciencia ficción adulta y dramática. Rotten Tomatoes la sitúa actualmente en el primer puesto de su lista histórica de ciencia ficción televisiva, con 95% de valoración crítica. RRotten Tomatoes Editorial

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2. The Expanse — 2015-2022

Género: ciencia ficción espacial, política, thriller.
Temporadas: 6.

Una de las representaciones más convincentes de cómo podría ser la expansión humana por el Sistema Solar.

La humanidad ha colonizado Marte y el cinturón de asteroides. Tierra, Marte y los habitantes del cinturón tienen intereses políticos y económicos enfrentados.

La historia comienza con una investigación aparentemente policial que termina descubriendo una amenaza capaz de cambiar el futuro de la humanidad.

Intérpretes:

• Steven Strait — James Holden.
• Dominique Tipper — Naomi Nagata.
• Wes Chatham — Amos Burton.
• Shohreh Aghdashloo — Chrisjen Avasarala.
• Frankie Adams — Bobbie Draper.
• Cara Gee — Camina Drummer.
• Thomas Jane — Joe Miller.

Lo extraordinario: política, economía, guerra, física orbital y personajes complejos.

Es además una de las grandes herederas de Battlestar Galactica. SSYFY

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3. Star Trek: The Next Generation — 1987-1994

Género: ciencia ficción espacial, exploración, filosofía.
Temporadas: 7.

La tripulación de la nave Enterprise-D explora el espacio en el siglo XXIV.

Más que una serie de aventuras, TNG utiliza la ciencia ficción para plantear preguntas sobre:

• inteligencia artificial,
• ética,
• guerra,
• diplomacia,
• derechos individuales,
• evolución humana,
• contacto con otras civilizaciones.

Intérpretes:

• Patrick Stewart — Jean-Luc Picard.
• Jonathan Frakes — William Riker.
• Brent Spiner — Data.
• LeVar Burton — Geordi La Forge.
• Marina Sirtis — Deanna Troi.
• Gates McFadden — Beverly Crusher.
• Michael Dorn — Worf.

Por qué verla: es una de las grandes series filosóficas de la ciencia ficción. Rotten Tomatoes la coloca cuarta en su ranking histórico. RRotten Tomatoes Editorial

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4. The X-Files — 1993-2018

Género: ciencia ficción, misterio, conspiración, paranormal.
Temporadas: 11.

Los agentes del FBI Fox Mulder y Dana Scully investigan fenómenos inexplicables.

La serie combina episodios autoconclusivos con una gran trama de conspiración relacionada con extraterrestres y el gobierno estadounidense.

Intérpretes:

• David Duchovny — Fox Mulder.
• Gillian Anderson — Dana Scully.
• Mitch Pileggi — Walter Skinner.
• Robert Patrick — John Doggett.
• Annabeth Gish — Monica Reyes.

Clave: consiguió convertir la paranoia, las conspiraciones y lo inexplicable en televisión de masas. Rotten Tomatoes la sitúa tercera en su lista histórica. RRotten Tomatoes Editorial

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5. Doctor Who — 1963-

Género: ciencia ficción, viajes temporales, aventuras.

Es una institución de la televisión británica.

El protagonista, conocido simplemente como el Doctor, es un extraterrestre que viaja por el tiempo y el espacio acompañado habitualmente por seres humanos.

Una característica extraordinaria es la capacidad del personaje para regenerarse, permitiendo cambiar de actor y reinventar la serie.

Intérpretes destacados:

• William Hartnell.
• Tom Baker.
• Peter Davison.
• David Tennant.
• Matt Smith.
• Peter Capaldi.
• Jodie Whittaker.
• Ncuti Gatwa.

Por qué verla: pocas series han tenido una influencia comparable en la cultura de la ciencia ficción. RRotten Tomatoes Editorial

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6. Black Mirror — 2011-

Género: ciencia ficción tecnológica, distopía, thriller.

Cada episodio cuenta generalmente una historia independiente.

Su pregunta fundamental podría resumirse así:

¿Qué ocurre cuando la tecnología amplifica los peores y mejores aspectos del ser humano?

Trata sobre inteligencia artificial, redes sociales, realidad virtual, vigilancia, reputación digital, memoria, entretenimiento y tecnología.

Intérpretes destacados a lo largo de la serie:

• Daniel Lapaine.
• Bryce Dallas Howard.
• Jon Hamm.
• Jesse Plemons.
• Cristin Milioti.
• Aaron Paul.
• Hayley Atwell.
• Anthony Mackie.

Ventaja: puedes verla sin seguir necesariamente un orden.

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7. Severance — 2022-

Género: ciencia ficción psicológica, misterio, distopía.

Una empresa divide quirúrgicamente la memoria de sus empleados: en el trabajo no recuerdan su vida exterior y fuera del trabajo no recuerdan absolutamente nada de su empleo.

La premisa sirve para explorar identidad, alienación laboral, control corporativo y libertad individual.

Intérpretes:

• Adam Scott — Mark Scout.
• Britt Lower — Helly Riggs.
• Zach Cherry — Dylan George.
• John Turturro — Irving Bailiff.
• Christopher Walken — Burt Goodman.
• Patricia Arquette — Harmony Cobel.

Es una de las grandes propuestas de ciencia ficción de la era del streaming. TThe Week

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8. The Twilight Zone — 1959-1964

Género: ciencia ficción, fantasía, terror psicológico.

Una serie fundamental para entender toda la ciencia ficción televisiva posterior.

Cada episodio presenta una situación extraordinaria que normalmente funciona como parábola sobre la sociedad humana.

Presentador y protagonista fundamental:

• Rod Serling.

Participaron además numerosos actores que posteriormente se convertirían en grandes estrellas.

Importancia histórica: introdujo ideas filosóficas y sociales extraordinariamente sofisticadas en episodios de aproximadamente media hora.

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9. Star Trek — 1966-1969

Género: ciencia ficción espacial.

La serie original que creó una de las franquicias más importantes de la historia audiovisual.

Intérpretes:

• William Shatner — James T. Kirk.
• Leonard Nimoy — Spock.
• DeForest Kelley — Leonard McCoy.
• Nichelle Nichols — Uhura.
• James Doohan — Scotty.
• George Takei — Sulu.
• Walter Koenig — Chekov.

Su importancia no se limita a la ciencia ficción: utilizó extraterrestres, planetas y futuros imaginarios para hablar indirectamente de racismo, guerra, política y convivencia.

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10. Fringe — 2008-2013

Género: ciencia ficción, investigación, universos paralelos.

Un grupo especial investiga fenómenos científicos inexplicables.

Intérpretes:

• Anna Torv — Olivia Dunham.
• Joshua Jackson — Peter Bishop.
• John Noble — Walter Bishop.
• Lance Reddick — Phillip Broyles.

Empieza como una especie de investigación paranormal científica y evoluciona hacia una historia mucho más ambiciosa sobre universos paralelos, identidad y destino. Rotten Tomatoes la incluye entre las grandes series de ciencia ficción de todos los tiempos. RRotten Tomatoes Editorial

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11. Westworld — 2016-2022

Género: inteligencia artificial, filosofía, ciencia ficción.

En un enorme parque temático viven androides extremadamente sofisticados que sirven como entretenimiento para humanos.

Pero los robots comienzan progresivamente a cuestionar su propia existencia.

Intérpretes:

• Evan Rachel Wood.
• Thandiwe Newton.
• Jeffrey Wright.
• Ed Harris.
• Anthony Hopkins.
• James Marsden.
• Tessa Thompson.

Temas: conciencia artificial, libre albedrío, memoria, identidad y explotación.

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12. Firefly — 2002

Género: western espacial, aventura, ciencia ficción.

Aunque solamente tuvo una temporada, su influencia fue enorme.

La tripulación de la nave Serenity sobrevive realizando trabajos de dudosa legalidad en los límites de una civilización futurista.

Intérpretes:

• Nathan Fillion — Malcolm Reynolds.
• Gina Torres — Zoe Washburne.
• Alan Tudyk — Hoban Washburne.
• Morena Baccarin — Inara Serra.
• Adam Baldwin — Jayne Cobb.
• Jewel Staite — Kaylee Frye.
• Summer Glau — River Tam.

Es el ejemplo perfecto de una serie cancelada demasiado pronto pero convertida posteriormente en obra de culto. Rotten Tomatoes la incluye entre sus principales series de ciencia ficción. RRotten Tomatoes Editorial

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13. Babylon 5 — 1993-1998

Género: space opera, política, guerra.

Transcurre principalmente en una gigantesca estación espacial que sirve como punto de encuentro de numerosas civilizaciones.

Intérpretes:

• Bruce Boxleitner — John Sheridan.
• Claudia Christian — Susan Ivanova.
• Jerry Doyle — Michael Garibaldi.
• Mira Furlan — Delenn.
• Peter Jurasik — Londo Mollari.
• Andreas Katsulas — G'Kar.

Es especialmente importante por su historia planificada a largo plazo, algo que posteriormente se convertiría en una característica fundamental de muchas series modernas. RRotten Tomatoes Editorial

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14. Orphan Black — 2013-2017

Género: ciencia ficción, thriller, conspiración.

Una mujer descubre que existen otras mujeres físicamente idénticas a ella.

A partir de ahí aparece una conspiración científica relacionada con la clonación.

Intérpretes:

• Tatiana Maslany — interpreta a múltiples personajes/clones.
• Jordan Gavaris — Felix Dawkins.
• Kristian Bruun — Donnie Hendrix.
• Maria Doyle Kennedy — Siobhan Sadler.

El trabajo de Tatiana Maslany es uno de los grandes logros interpretativos de la televisión de ciencia ficción.

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15. Lost — 2004-2010

Género: misterio, ciencia ficción, supervivencia.

Los supervivientes de un accidente aéreo quedan atrapados en una isla aparentemente inexplicable.

Poco a poco aparecen:

• viajes temporales,
• experimentos científicos,
• fenómenos electromagnéticos,
• conspiraciones,
• cuestiones filosóficas.

Intérpretes:

• Matthew Fox.
• Evangeline Lilly.
• Terry O'Quinn.
• Michael Emerson.
• Jorge Garcia.
• Josh Holloway.
• Naveen Andrews.
• Daniel Dae Kim.

Aunque mezcla géneros y no es ciencia ficción pura, su influencia sobre la narrativa serial moderna es enorme.

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16. The Mandalorian — 2019-

Género: ciencia ficción espacial, aventura, western.

Ambientada en el universo de Star Wars, sigue a un cazarrecompensas mandaloriano.

Intérpretes:

• Pedro Pascal — Din Djarin.
• Katee Sackhoff — Bo-Katan Kryze.
• Carl Weathers — Greef Karga.
• Giancarlo Esposito — Moff Gideon.
• Emily Swallow — The Armorer.

Es especialmente importante porque ayudó a demostrar que las grandes franquicias cinematográficas podían convertirse en experiencias televisivas de enorme alcance.

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17. Dark — 2017-2020

Género: ciencia ficción, viajes temporales, misterio.

Una desaparición infantil en un pequeño pueblo alemán desencadena una historia que termina involucrando familias, generaciones, viajes en el tiempo y paradojas causales.

Intérpretes:

• Louis Hofmann.
• Lisa Vicari.
• Andreas Pietschmann.
• Maja Schöne.
• Jördis Triebel.
• Oliver Masucci.

Es una de las series más exigentes de esta lista. Requiere atención, pero recompensa enormemente al espectador.

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18. Humans — 2015-2018

Género: inteligencia artificial, drama social.

En un futuro cercano, los humanos utilizan androides llamados Synths para realizar tareas domésticas y laborales.

La pregunta central es inquietante:

¿Qué sucede cuando una máquina adquiere conciencia?

Intérpretes:

• Gemma Chan.
• William Hurt.
• Katherine Parkinson.
• Tom Goodman-Hill.
• Will Tudor.
• Colin Morgan.

Es una excelente opción si interesa más la ciencia ficción social y filosófica que las batallas espaciales. RRotten Tomatoes Editorial

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19. For All Mankind — 2019-

Género: historia alternativa, carrera espacial, ciencia ficción.

Parte de una hipótesis fascinante:

¿Qué habría ocurrido si la Unión Soviética hubiera llegado primero a la Luna?

A partir de esa alteración histórica, la carrera espacial continúa y cambia radicalmente la evolución política y tecnológica del mundo.

Intérpretes:

• Joel Kinnaman.
• Michael Dorman.
• Sarah Jones.
• Shantel VanSanten.
• Sonya Walger.
• Jodi Balfour.
• Wrenn Schmidt.

Es especialmente interesante para quienes prefieren una ciencia ficción más realista y basada en tecnología plausible.

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20. Severance / alternativa: The Handmaid's Tale

Aquí haría una pequeña salvedad. Si queremos una lista estrictamente de ciencia ficción, mantendría Severance y elegiría como vigésima a:

20. Altered Carbon — 2018-2020

Género: cyberpunk, detectivesco, ciencia ficción.

En el futuro, la conciencia humana puede almacenarse digitalmente y transferirse a otros cuerpos.

Esto plantea una pregunta fascinante:

Si puedes cambiar de cuerpo, ¿sigues siendo la misma persona?

Intérpretes:

• Joel Kinnaman — Takeshi Kovacs.
• Anthony Mackie — Takeshi Kovacs en la segunda temporada.
• James Purefoy — Laurens Bancroft.
• Martha Higareda — Kristin Ortega.
• Chris Conner — Poe.
• Dichen Lachman — Reileen Kawahara.

Visualmente es una de las series más cercanas al cyberpunk cinematográfico.

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Mi clasificación personal por tipo de ciencia ficción

Si tuviera que reducir las 20 a grupos, quedaría así:

Si buscas...
Empieza por...

Espacio y guerras
Battlestar Galactica, The Expanse

Filosofía e ideas
Severance, Star Trek: TNG

Inteligencia artificial
Westworld, Humans

⏳ Viajes temporales
Dark, Doctor Who

Extraterrestres/conspiraciones
The X-Files, Fringe

Tecnología y futuro cercano
Black Mirror, Severance

Space opera
Babylon 5, Star Trek, The Expanse

️ Misterio
Dark, The X-Files, Lost

Western espacial
Firefly, The Mandalorian

Biología/clonación
Orphan Black

️ Política y sociedad
Battlestar Galactica, The Expanse

Historia alternativa
For All Mankind

Cyberpunk
Altered Carbon

Ciencia ficción clásica
The Twilight Zone, Star Trek

Si tuviera que recomendar solamente 5

1. Battlestar Galactica — la más completa como drama de ciencia ficción.
2. The Expanse — la mejor para ciencia ficción espacial moderna.
3. Black Mirror — la mejor para reflexionar sobre tecnología y sociedad.
4. Dark — la más compleja en viajes temporales y paradojas.
5. Star Trek: The Next Generation — la más filosófica y humanista.

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The Bucket List - Antes de partir con dos actores memorables: Jack Nicholson y Morgan Freedman

The Bucket List me parece una película bastante interesante y aunque no es una pelicula netamente de un viaje asi al estilo familiar, si se trata de un viaje para reencontrarte contigo mismo y pues claro, también conoceremos algunos destinos turísticos. La historia de esta película comienza con uno de los protagonistas, Carter Chambers, interpretado por Morgan Freeman, pidiéndoles a sus alumnos que realicen una lista de deseos, una lista que contenga todas esas cosas que desean hacer en la vida, cosas que les hagan vivir al máximo antes de partir de este mundo.

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Lo curioso es que pese a este consejo que le dio a sus alumnos, el mismo no logro cumplir su lista ya que la vida y el día a día lo fue atrapando hasta que ya era muy viejo. Diversas situaciones le hacen conocer a alguien multimillonario, Edward Cole (Jack Nicholson) en el hospital y decide que es tiempo de vivir cada cosa de esa lista de deseos.

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Aquí comienza una aventura increíble, visitan diferentes destinos turísticos, practican deportes extremos y muchas cosas más que los hacen vivir experiencias al máximo. Dejan por un momento sus vidas y comienzan a vivir una nueva, en donde solo importa la lista de deseos.

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Con el tiempo y con Carter Chambers bastante enfermo, esa vida que estan teniendo al cumplir su lista de deseos comienza a pasar factura y la enfermedad le impide continuar. Carter entiende que realmente necesitaba encontrarse así mismo y decide volver con su familia. Entre risas, llantos, drama, enojo, es una película que te lleva a un viaje no solo por todo el mundo sino a un viaje de dos personajes que se dan cuenta que pese a disfrutar de las actividades de una maravillosa lista de deseos, sino te encuentras a ti mismo, nada vale la pena.

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El criterio de cancelar las series tv cuando aun no han terminado su programacion inicial.

El criterio de cortar las series tv cuando aun no han terminado su programacion inicial previstas es justo?

1. ChatGPT dijo:

   No siempre. Cortar una serie antes de completar la programación inicialmente prevista puede ser una decisión económicamente racional, pero no necesariamente es justa desde el punto de vista del público, los creadores o incluso de la calidad cultural de la televisión.

   Hay que distinguir entre lo que es legal/contractualmente posible, lo que es empresarialmente conveniente y lo que resulta justo para el espectador.

   ¿Por qué las cadenas cancelan series antes de lo previsto?

   Una cadena o plataforma puede haber anunciado, por ejemplo, una temporada de 20 episodios, pero decidir emitir solamente 10. Las razones habituales son:

   • Baja audiencia: la serie no consigue suficientes espectadores para justificar su coste.
   • Elevado coste de producción: una serie puede resultar demasiado cara en relación con los ingresos que genera.
   • Cambio en la estrategia de programación: la cadena descubre que otro contenido atrae más público.
   • Publicidad insuficiente: en la televisión tradicional, una audiencia menor significa menos ingresos publicitarios.
   • Problemas de producción: conflictos entre actores, guionistas, productores o dificultades presupuestarias.
   • Competencia: otra serie o programa puede estar obteniendo mejores resultados en el mismo horario.
   • Decisiones de la plataforma: en el streaming, no importa solamente cuántas personas comienzan una serie, sino cuántas la terminan y cuánto contribuye a mantener suscripciones.

   ¿Es justo para el espectador?

   Aquí aparece el principal problema.

   Cuando una persona comienza una serie, invierte tiempo y desarrolla expectativas. Si la historia queda inconclusa, siente que esa inversión ha sido desperdiciada.

   Por ejemplo, imaginemos una serie anunciada como una historia de tres temporadas. La primera temporada termina planteando varios misterios y conflictos, pero la producción es cancelada inmediatamente.

   El espectador queda con:

   • personajes sin desarrollar,
   • conflictos sin resolver,
   • misterios sin explicación,
   • una historia sin final.

   Desde esta perspectiva, la cancelación puede ser legítima empresarialmente pero injusta narrativamente.

   El problema de la confianza

   Existe además una cuestión más profunda: la confianza entre la plataforma y el espectador.

   Si una plataforma consigue que millones de personas comiencen una serie y posteriormente la cancela sistemáticamente cuando no alcanza determinados niveles de rentabilidad, el público puede aprender una lección:

   "No merece la pena empezar una serie nueva porque quizá nunca tenga final."

   Esto puede ser contraproducente.

   El espectador podría empezar a preferir:

   • series ya terminadas,
   • miniseries,
   • películas,
   • producciones con pocas temporadas.

   Es decir, las cancelaciones prematuras pueden perjudicar la propia disposición del público a invertir tiempo en nuevas series.

   Pero también sería injusto exigir que todas continúen

   Hay que considerar la otra parte.

   Producir una serie cuesta muchísimo dinero. Si una producción tiene una audiencia muy pequeña, obligar a la empresa a continuar indefinidamente tampoco sería razonable.

   Imaginemos una serie que cuesta 10 millones de dólares por episodio y tiene una audiencia mínima. Mantenerla solamente para proporcionar un final satisfactorio a sus seguidores puede implicar utilizar recursos que podrían destinarse a otras producciones.

   Por eso el problema no es tanto cancelar como cancelar sin tener en cuenta las expectativas creadas.

   Un criterio más justo

   Una política razonable sería establecer desde el principio un compromiso proporcional con el público.

   Por ejemplo:

   • Si una serie se presenta como una miniserie cerrada, debe tener un final.
   • Si se anuncia una temporada completa, debería intentarse completar esa temporada.
   • Si una serie termina con un gran cliffhanger y posteriormente es cancelada, la productora podría ofrecer un episodio especial, película o resumen que cierre la historia.
   • Las plataformas podrían informar con mayor transparencia sobre si una producción está concebida como historia cerrada o como proyecto susceptible de cancelación.
   • Las series nuevas podrían diseñarse con temporadas relativamente autocontenidas, de modo que una cancelación no deje al espectador completamente sin conclusión.

   ¿Y si la serie ya tenía episodios encargados?

   Aquí la cuestión es todavía más discutible.

   Si una cadena anuncia públicamente una temporada de 20 episodios y, después de producir 10, decide no emitir los otros 10, existen dos problemas diferentes:

   Desde el punto de vista empresarial: puede ser razonable si la audiencia es desastrosa.

   Desde el punto de vista del espectador: resulta problemático porque el público confiaba en que esos episodios formarían parte de la experiencia anunciada.

   Por eso sería más justo que, cuando los episodios ya están producidos, se emitieran o se pusieran a disposición del público, salvo circunstancias excepcionales.

   La cuestión ética

   En el fondo hay una tensión entre dos principios:

   La empresa:

   "Tengo derecho a dejar de invertir en un producto que no funciona."

   El espectador:

   "Yo invertí mi tiempo porque ustedes me ofrecieron una historia que aparentemente continuaría."

   Ambos argumentos son legítimos.

   Por eso yo no diría que toda cancelación anticipada es injusta. Diría que es injusta especialmente cuando la empresa obtiene el beneficio de captar al espectador mediante una historia continuada y después abandona esa historia sin ofrecer ningún mecanismo de cierre.

   Una solución especialmente interesante

   Podría aplicarse el principio de "final mínimo garantizado": cada serie debería diseñarse de modo que, aunque sea cancelada después de una temporada, exista algún episodio final o recurso narrativo capaz de cerrar razonablemente la historia principal.

   No hace falta garantizar cinco temporadas. Sí debería garantizarse, en la medida de lo posible, que el espectador no quede atrapado en una historia deliberadamente inconclusa.

   En ese sentido, el auge del streaming ha creado una paradoja: tenemos más series que nunca, pero también existe mayor riesgo de que muchas historias sean abandonadas antes de alcanzar el final que sus creadores habían previsto.

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Mejor... imposible con Jack Nicholson es una historia de amor excéntrica e inusual

Mejor... imposible con Jack Nicholson es una historia de amor excéntrica e inusual, aderezada con una pizca de locura extraña.

Mejor... imposible (del inglés: As Good as It Gets) es una película estadounidense de comedia romántica, dirigida por James L. Brooks, escrita por Mark Andrus y Brooks, y producida por Laura Ziskin. Es protagonizada por Jack Nicholson, Helen Hunt y Greg Kinnear.

Nicholson y Hunt ganaron el Premio de la Academia de Mejor Actor y Mejor Actriz, respectivamente. Se encuentra en el puesto 140 en la lista de las 500 películas más grandes de todos los tiempos de la revista Empire.

Trama

Melvin Udall (Jack Nicholson) es un famoso escritor de novelas románticas que vive en Nueva York en un lujoso edificio de apartamentos en Manhattan y padece un Trastorno obsesivo-compulsivo de la personalidad, algo que lo hace intratable para el resto de la sociedad, los vecinos del departamento y de lo que, además, él se enorgullece.

Hay una persona que sí convive con él en su día a día: la camarera Carol Connelly (Helen Hunt), quien lo atiende pacientemente en el restaurante cercano donde suele almorzar, al que él lleva siempre un juego de cubiertos desechables para no usar los mismos que han utilizado otras personas por su trastorno obsesivo-compulsivos.

El hijo de Carol padece asma, y los continuos cuidados que ella debe dedicarle son un obstáculo para que pueda tener alguna relación sentimental con otras personas. Un día falta al trabajo para atender a su hijo enfermo y Melvin la busca en su departamento en la vecina Brooklyn porque solamente ella puede atenderlo en el restaurante. Al enterarse de que su hijo está enfermo, la lleva en taxi a un hospital y le pide a su representante que su esposo, que es doctor, atienda la salud del niño para que Carol pueda regresar al trabajo, entrando al mundo de la camarera de la que se enamora y se inicia una historia de amor entre ellos.

Por otro lado, el vecino homosexual de Melvin, Simon Bishop (Greg Kinnear), es un prometedor artista plástico que es atacado en su propio departamento, sufriendo heridas en el rostro y en una pierna con grandes gastos médicos. Mientras está hospitalizado, el agente de Simon, Frank Sachs (Cuba Gooding, Jr.), obliga a Melvin a cuidar del perrito de Simon, que inmediatamente se gana el afecto del obsesivo escritor.

La película llega a su clímax cuando Melvin, Carol y Simon viajan a Baltimore, a casa de los padres de este último para pedirles dinero con el que pagar los grandes gastos de la hospitalización y el tratamiento de las heridas. Melvin le pide a Carol que la acompañe en un auto descapotable de Frank, como agradecimiento por enviar al doctor y pagar los gastos médicos de su hijo. Simon, además de haberse quedado sin dinero, ha perdido la inspiración y su trabajo creativo se resiente. Durante el viaje, Melvin comienza a mostrar su ácido encanto romántico con Carol, mientras que Simon descubre en ella su musa y el regreso de la inspiración artística perdida

Reparto

Jack Nicholson como Melvin Udall.
Helen Hunt como Carol Connelly.
Greg Kinnear como Simon Bishop.
Cuba Gooding, Jr. como Frank Sachs.
Julie Benz como el recepcionista.
Shirley Knight como Beverly Connelly.
Jesse James como Spencer Connelly.
Skeet Ulrich como Vincent Lopiano.
Yeardley Smith como Jackie Simpson.
Lupe Ontiveros como Nora Manning.
Jill como Verdell.
Harold Ramis como Dr. Norman Bettes, MD.
Danielle Spencer como la veterinaria.
Lawrence Kasdan como Dr. Green.
Brian Doyle-Murray como Handyman.
Shane Black como Café 24 Manager.
Peter Jacobson como judío.
Lisa Edelstein como judía.
Kathryn Morris como paciente.
Tom McGowan como maître.
Bibi Osterwald como vecina.
Jamie Kennedy como Robber.
Jimmy Workman como Sean de la panadería.
Maya Rudolph como Mujer Policía.

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Por qué las series Tv han desplazado al cine

Las series no han desplazado por completo al cine, pero sí han ocupado un lugar central en el consumo audiovisual. El auge de las series se explica por una combinación de factores tecnológicos, económicos, narrativos y sociales.

1. Mayor profundidad narrativa

Una película suele disponer de entre 90 y 150 minutos para desarrollar una historia. Una serie, en cambio, puede contar con varias horas e incluso varias temporadas.

Esto permite:

• Desarrollar personajes secundarios con mayor profundidad.
• Mostrar la evolución psicológica de los protagonistas.
• Construir tramas complejas y con múltiples conflictos.
• Explorar distintos puntos de vista.
• Mantener misterios y conflictos durante mucho más tiempo.

Por ejemplo, una serie puede dedicar un episodio entero a un personaje secundario que en una película apenas tendría unos minutos. El espectador termina desarrollando una relación más prolongada con los personajes.

2. El auge de las plataformas de streaming

La aparición de plataformas como Netflix, Disney+, Max, Prime Video o Apple TV+ transformó radicalmente la manera de consumir ficción.

Antes, para ver una serie había que:

• Esperar un día y una hora determinados.
• Seguir la programación de un canal.
• Esperar semanas entre episodios.
• Adaptarse a los horarios de la televisión.

El streaming cambió esa lógica: el contenido está disponible bajo demanda. El espectador decide qué ver, cuándo hacerlo y desde qué dispositivo.

Además, las plataformas producen series específicamente diseñadas para mantener al público suscrito. Esto convierte a las series en una herramienta fundamental de competencia entre servicios.

3. La posibilidad de verlas en cualquier lugar

El cine requiere desplazarse físicamente a una sala y adaptarse a una función determinada. Las series pueden verse prácticamente en cualquier lugar:

• En el teléfono.
• En una computadora.
• En una tablet.
• En un televisor.
• Durante un viaje.
• En casa.

Esta comodidad es especialmente importante en una sociedad donde el tiempo libre está fragmentado.

4. El fenómeno del binge-watching

Las plataformas introdujeron o popularizaron una nueva forma de consumo: ver varios episodios consecutivamente.

En lugar de esperar una semana, el espectador puede terminar una temporada en uno o varios días.

Esto genera una experiencia diferente: la historia adquiere continuidad y puede producir una fuerte sensación de inmersión.

Además, los finales de episodio —los llamados cliffhangers— están diseñados frecuentemente para provocar la pregunta:

"¿Qué pasará ahora?"

Y la plataforma puede responder inmediatamente ofreciendo el siguiente episodio.

5. Historias más complejas y ambiciosas

Durante las últimas décadas, las series comenzaron a abordar temas que tradicionalmente estaban asociados con el cine de prestigio:

• Política.
• Crimen.
• Corrupción.
• Desigualdad social.
• Salud mental.
• Relaciones familiares.
• Conflictos históricos.
• Ciencia ficción.
• Filosofía y dilemas morales.

Esto hizo que la frontera entre "televisión" y "cine" se volviera mucho menos clara.

Algunas series tienen presupuestos, efectos especiales, actores y equipos creativos comparables a grandes producciones cinematográficas.

6. La fidelización de los espectadores

Una película puede generar aproximadamente dos horas de relación con el público. Una serie puede hacerlo durante decenas de horas y varios años.

Esto tiene enormes ventajas comerciales.

Si alguien se engancha con una serie, no solamente consume un episodio: puede terminar viendo toda la temporada, luego la siguiente y finalmente otros contenidos relacionados.

Por eso las series son especialmente valiosas para las plataformas: crean hábitos de consumo.

7. La identificación con los personajes

La duración permite que el espectador conozca progresivamente a los personajes.

En una película podemos ver a un protagonista enfrentarse a un gran conflicto y resolverlo en unas horas. En una serie podemos observar:

su infancia → sus relaciones → sus errores → sus consecuencias → su transformación.

Esto genera una conexión emocional particularmente fuerte.

El público puede sentir que "conoce" a los personajes después de acompañarlos durante años.

8. El efecto de las redes sociales

Las series también se benefician enormemente de las redes sociales.

Cada episodio puede convertirse en:

• Memes.
• Teorías.
• Debates.
• Vídeos.
• Publicaciones.
• Comentarios.
• Explicaciones.
• Spoilers.
• Discusiones sobre personajes.

Una serie exitosa puede convertirse en un fenómeno cultural permanente.

El espectador ya no consume únicamente el episodio: también consume y produce conversaciones alrededor de él.

9. El cine tiene una barrera de entrada mayor

Ir al cine implica generalmente:

1. Elegir una película.
2. Desplazarse.
3. Comprar una entrada.
4. Respetar un horario.
5. Permanecer en la sala durante la función.
6. Regresar posteriormente a casa.

Ver una serie requiere simplemente abrir una aplicación.

Esto no significa que el cine haya perdido su atractivo, sino que las series ofrecen una alternativa más accesible y flexible.

10. Cambios en los hábitos después de la pandemia

La pandemia aceleró una tendencia que ya existía.

El cierre temporal de las salas cinematográficas hizo que millones de personas dependieran todavía más del entretenimiento doméstico. Las plataformas aprovecharon ese cambio y aumentaron su presencia.

Aunque posteriormente las salas recuperaron público, el hábito de consumir grandes cantidades de contenido desde casa quedó instalado.

11. Mayor diversidad de contenidos

El modelo tradicional de televisión tenía que atraer a grandes cantidades de espectadores simultáneamente.

Las plataformas digitales pueden dirigirse a públicos mucho más específicos.

Por ejemplo, pueden producir una serie para:

• aficionados al terror,
• amantes del anime,
• seguidores de la ciencia ficción,
• adolescentes,
• adultos interesados en dramas históricos,
• aficionados al crimen,
• públicos de distintos países.

Esta segmentación permite que aparezcan historias que quizá nunca habrían recibido espacio en la televisión tradicional.

12. La internacionalización

Otro factor fundamental es que una serie puede convertirse rápidamente en un fenómeno mundial.

Una producción realizada en Corea del Sur, España, Argentina, Alemania o Turquía puede ser distribuida simultáneamente a espectadores de numerosos países.

Además, el doblaje y los subtítulos reducen las barreras lingüísticas.

Esto ha permitido que el público descubra producciones de culturas diferentes y que las series compitan en un mercado verdaderamente global.

13. El algoritmo recomienda qué mirar

Las plataformas también utilizan los datos de consumo para recomendar contenidos.

Si una persona termina una serie de ciencia ficción, la plataforma puede ofrecerle inmediatamente otras similares.

Esto reduce el problema clásico de:

"Quiero ver algo, pero no sé qué."

El sistema ya tiene información sobre los gustos del espectador y puede intentar mantenerlo dentro de la plataforma.

14. La competencia por la atención

Hay otro factor importante: la abundancia de entretenimiento.

Las series no compiten solamente contra el cine. También compiten contra:

• YouTube.
• TikTok.
• Videojuegos.
• Redes sociales.
• Podcasts.
• Twitch.
• Contenido generado por usuarios.

En este contexto, las series tienen una ventaja: pueden ofrecer muchas horas de entretenimiento continuo, creando un universo narrativo capaz de retener al espectador.

15. El cine también se ha transformado

Paradójicamente, el auge de las series no significa necesariamente que el cine esté desapareciendo.

El cine se ha orientado cada vez más hacia experiencias que justifican salir de casa: grandes espectáculos, franquicias, efectos visuales, películas-evento y experiencias audiovisuales inmersivas.

Mientras tanto, las series han ocupado con mayor fuerza el espacio del entretenimiento narrativo cotidiano.

Por eso podría decirse que se produjo una cierta especialización:

Cine → experiencia/evento audiovisual.
Series → consumo prolongado y habitual.

En conclusión

El auge de las series se debe principalmente a que se adaptaron mejor a la nueva forma de consumir entretenimiento. Ofrecen historias más largas, personajes más desarrollados, disponibilidad inmediata, consumo desde casa, recomendaciones personalizadas y una enorme capacidad para generar conversación en redes sociales.

Sin embargo, sería incorrecto afirmar que "las series han matado al cine". Más bien, ambos medios han cambiado de función. El cine conserva una ventaja fundamental: la experiencia colectiva de una gran pantalla y un sistema de sonido en una sala. Las series, en cambio, han ganado terreno gracias a la comodidad, continuidad y profundidad narrativa.

En pocas palabras: el cine vende una experiencia concentrada; las series construyen una relación prolongada con el espectador.

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Mi vecino Totoro | Una pelicula de Hayao Miyazaki y el Estudio Ghibli

Mi vecino Totoro es una película del estudio Ghibli, escrita y dirigida por Hayao Miyazaki en el año 1988. Es una película que ha sido galardonada con diferentes premios incluso estar en el top de mejores películas animadas de la revista inglesa Time Out así como el personaje Totoro, quien se convirtió en un icono cultural de Japón y quien apareció también en el top de mejores personajes animado en la misma revista.

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La historia de esta película se centra en 2 niñas que se mudan junto a su padre a una antigua casa, ubicada cerca de un hospital en donde se encuentra la madre de las dos. La madre de las niñas al parecer tiene la enfermedad de tuberculosis y se encuentra en recuperación, pero lo que no saben es que en esta antigua casa comienzan a suceder cosas mágicas y estarán rodeados de personajes curiosos.

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En medio de una serie de acontecimientos, Totoro será un personaje que estará involucrado con las protagonistas y comenzaran a suceder cosas que no te esperas, un viaje por un mundo mágico, donde tu imaginación se pone a volar, pero donde la realidad de una madre enferma te mantiene en el mundo real y al pendiente de que es lo que sucederá con ella.

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Entre risas, llantos, drama, acontecimientos que van más allá de este mundo, Totoro será ese vecino que aportará un balance en la vida de esta familia. ¿Pero quién es realmente Totoro? Descúbrelo en esta hermosa película.

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La explicación del final de la serie Mr. Robot

El último capítulo  4x13, el episodio final del Mr. Robot, nos reveló el significado de esa realidad alternativa en la que los dos Elliots vienen a chocar. En el episodio anterior habíamos sido capaces de pensar, no demasiado convincentemente, de una deriva de ciencia ficción en la idea de que este era el mundo paralelo generado por la máquina Whiterose. Ahora, en cambio, entendemos que es una realidad totalmente interior: el mundo creado por el Elliot para encarcelar al "true" Elliot.

Pero quién es uno, quién es el otro y cuando sucede esto en la cárcel?

Vamos en orden. Empecemos explicando quién representa a nuestro Elliot. Para ello tenemos que proceder hacia atrás recordando algunos pasajes de las temporadas anteriores. En el episodio 2-04 nos enteramos de que Elliot en una fecha no especificada (2015?) Trabajó en una empresa de ciberseguridad. Colegas, exasperados por su capacidad de romper constantemente los cortafuegos que crean, lo encierran en la sala de servidores. Aquí el chico cae dormido y cuando despierte todo está destruido.

Dado el incidente, Elliot es despedido y recurre a un psicólogo, Krista, para unas cuantas sesiones. Pero por qué hace eso? Porque evidentemente el incidente había sido consecuencia de un preocupante chasquido enojado. No sólo eso, el hecho de que Elliot no tiene memoria de él, testifica que el episodio también está asociado con un trastorno disociativo: en ese momento, es decir, está literalmente fuera de su mente, otra persona. Ese es Elliot. La otra persona.

Qué representa el Elliot que siempre hemos conocido? Es la ira latente del verdadero Elliot, toda esa frustración reprimida que encuentra ventilación en la figura de un giustiziere"embarcación": el hacker con sudadera y capucha listo para hacer pagar a los que se merece. Esto explica el hackeo al dueño del sitio de pornografía infantil (1o01), quien le recuerda al abuso paternal, y todas las decisiones posteriores.

 

Pero cuando se hace cargo?

El Elliot continúa las sesiones en Krista hasta que Darlene regresa (2o04). Este es probablemente el momento en que el Elliot toma el control. En el momento en que lleva la máscara de la película (ficticia) "La santa masacre de la burguesía", el chico se sumerge en la falsa realidad y el Elliot que conocemos comienza a vivir.

Sólo en una circunstancia, en un diálogo con Darlene en el que le tranquiliza sobre el regreso de Vera, el verdadero Elliot recupera la conciencia. El resto del tiempo permanece encerrado en este mundo tranquilizador donde todo va bien. Pero por qué en este lugar, aséptico y monótono, está desaparecida Darlene? Porque la chica representa para Elliot la relación más intensa y real que ha tenido: de sus pases, de hecho, en la final, su despertar, de su amor inagotable.

 

Quiénes son el Sr. Robot, el Niño y la Madre? Como explica el "fake" Krista en 4o13 estos son otros ejemplos de la mente de Elliot creados en diferentes momentos. Pero lo que más importa es entender lo que representan. El Sr. Robot es lo que el verdadero padre nunca ha sido: una figura paterna fuerte, capaz de defenderlo y protegerlo, de "asaltarlo" en el momento de abuso y con motivo de la violencia física sustituyéndolo (por ejemplo, en la paliza en la celda, en la segunda temporada).

Es el Sr. Robot quien se hace cargo de ese dolor que Elliot no pudo sostener.

La Madre es en cambio un símbolo de la culpa de Elliot: de su creencia de que ella es culpable de la muerte de su padre, de ser débil y frágil e incapaz de enfrentar la vida. El Niño, en cambio, es su espíritu de lucha, representa ese coraje que tenía de niño tratando de oponerse como pudo a su acoso paternal.

El palacio con grandes ventanas (que refleja el estudio de Tyrell en la sede del Cuerpo E) donde estos "souls" viven es la mente de Elliot, el palacio mental que alberga su conciencia. En la final, nuestroliot vuelve a su casa, opta por hacerse a un lado, para aceptar ser sólo una pieza de Elliot. Así que el verdadero Elliot está "liberado", mientras que las proyecciones de todo lo que había sucedido en el período de su estado de "recuperación" fluyen en su mente. Ahora recuerda, ahora puede recuperar la posesión de su vida, estrechando la mano de la persona que más que cualquier otra lo devolvió de vuelta a la vida.

 

Pero nuestro Elliot, el Sr. Robot, la Madre y el Niño no desaparecen.

No pueden desaparecer porque, para bien o para mal, representan una parte de Elliot. Cuando Elliot siente la ira, pero también un deseo de justicia, hay "our" Elliot. Cuando se siente frágil y agarrado por la culpa, está la Madre. Cuando se refugia en sí mismo en busca de protección y fuerza, está el Sr. Robot. Y finalmente, cuando lucha por defenderse, el Niño emerge.

La tarea de Elliot es asegurarse de que ninguna de estas almas se haga cargo de la otra, pero que cada una esté controlada y sea manejada por él mismo. Este será el reto que Elliot espera, ahora consciente de que un mundo real, por horrible que sea, es preferible a un refugio ficticio y sin sentido, hecho de aburrimiento y mentiras.

Y en esta foto también somos el amigo.

El oyente silencioso al que constantemente se vuelve Elliot encapuchado. Somos parte de Elliot y Elliot es parte de nosotros. Con él, en la final, nos dejamos ir, aceptamos que tenemos que despedirnos del Elliot que hemos conocido y querido, de la que hemos sido amigos.

 

Saludamos así la mejor parte del verdadero Elliot, el que cambió las cosas y se cambió. El Elliot que nos ha cambiado también, ahora consciente de que el único mundo posible es el que vivimos.

Conscientes de que debemos luchar para mejorar esta realidad, no destruirla para volver a encontrar una nueva, como le hubiera gustado a Whiterose. Y podemos hacerlo a partir de mejorarnos, descubriendo fuerte y abierto a la posibilidad de amar y superar, no borrar, del dolor. Descubrirnos en nuestra totalidad. Averiguando a Elliot Alderson.

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