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Necrophobia es una película diversa y cambiante que abarca todas sus etapas.

Necrofobia (Argentina - 2014) es un thriller psicológico que despierta la curiosidad ya desde su título.

El término indica el miedo a los cadáveres y a la muerte, una fobia que el director argentino Daniel De La Vega trata a fondo en esta intensa película.

Necrophobia goza de una excelente banda sonora original del reputado compositor italiano Claudio Simonetti, cuya música se integra en una película sombría, resaltando aún más su lado oscuro.

 Situado en el centro de la historia como uno de sus muñecos, pero animado por fuertes emociones que le arrastran a profundas crisis de identidad al límite de todo aguante, Luís Machín, el personaje clave de la película, se convierte en un espejo humano de la necrofobia y consigue implicar emocionalmente al espectador en su delirio.


Trama.


El ruido de una máquina de coser seguido de la imagen de una habitación llena de maniquíes cubiertos de celofán y envueltos en niebla forman parte del mundo onírico de Dante, un hombre ocupado en confeccionar el traje que tendrá que llevar en el funeral de su hermano gemelo Tomás.

Una música lúgubre y asfixiante acompaña los sencillos gestos de la protagonista, haciéndolos siniestros, mientras los planos se posan en los detalles de unos inquietantes maniquíes y bustos que no sólo tienen un uso sartorial, sino que también sirven como accesorios de decoración. Mientras se pone el traje y se refleja rodeado de sus marionetas desgastadas por el tiempo, los ojos brillantes de Machin revelan un alma sufriente.


 Es la presentación del protagonista, un sastre, un hombre aparentemente normal y apesadumbrado. Lo que sugiere que es un personaje ambiguo es, sin duda, su enorme sastrería, un lugar siniestro y lúgubre poblado casi exclusivamente por maniquíes y partes de ellos. Su personalidad perturbada sale a la luz en la secuencia del cementerio, donde la omnipresente sensación de muerte (amplificada por el funeral y el cadáver de su hermano en el ataúd durante el servicio religioso) desencadena en él una necrofobia que más tarde se manifiesta en una reacción incontrolable. Al quedarse solo entre lápidas y tumbas familiares, le invade el pánico. A medida que avanza la historia, se va delineando el personaje principal que, gracias a la habilidad de Luis Machín, se convierte en el eje y pilar de la película.


Tras el duelo, una serie de tristes acontecimientos pesan sobre él como un peñasco, empujándolo a un lento e inexorable descenso al abismo de la locura, mientras un crescendo de tensión y desesperación encuentran su clímax en otro lugar de muerte. Después del cementerio, también será el turno de la morgue, un lugar asfixiante donde la necrofobia no tardará en manifestarse. En esta intensa película fúnebre dirigida por el muy talentoso Daniel De La Vega,


Dante deambula por las entrañas de esta historia enfermiza como una marioneta guiada por las manos de un destino cruel y tortuoso hasta el final del relato. La constante sensación de muerte que destila esta película se refleja también en una fotografía (de Mariano Suárez) igualmente fría, carente de color y vitalidad, en perfecta armonía con el tema. Necrofobia es una película con una gran carga emocional que no da cabida a la esperanza, sino sólo a sentimientos devastadores y dolorosos. Es una obra cinematográfica llena de fascinación pero también de gran tensión por el vínculo que se crea entre el protagonista y el espectador... este último se convierte casi en la esponja que absorbe el dolor y la negatividad del personaje principal.

Necrofobia es una película diversa y cambiante cuya historia sigue un camino personal y abarca no sólo la fobia a la muerte, sino también la locura en todas sus fases. Entre los claros homenajes a la filmografía de los años 70 y 80 (Torso, Trampa para turistas, Maniac y también el cine fulano y argentino) presentes en Necrofobia, se aprecia claramente el impecable estilo de dirección de Daniel De La Vega, que ya demostró su capacidad en La sombra de Jennifer. La sólida dirección se combina con un guión impecable (Daniel de la Vega, Nicanor Loreti y Germán Val) y la extraordinaria y sobre todo impresionante interpretación de Luís Machín en el papel de un personaje inolvidable.

 Además de Luís Machín, el reparto incluye a Viviana Saccone, Hugo Aztar, Gerardo Romano, Raúl Taibo, Pablo y Ariel Juin, y Fabiàn Forte. La producción corrió a cargo del propio director Daniel De La Vega, junto con Néstor Sánchez Sotelo. Las secuencias más fuertes de la película (la amputación de una mano, un cadáver cortado con tijeras, una garganta cortada con una sierra) son también acertadas y eficaces, gracias al diseñador de efectos Alberto Jaceniuk y a Rebeca Martínez (Make up FX). Necrofobia es un detallado viaje a las fobias en el que es imposible no perderse.

12 Años de Esclavitud narra la historia verdadera de Solomon Northup y el estigma de la esclavitud.

12 Años de Esclavitud (12 Years a Slave) es una película de 2013 dirigida por Steve McQueen.
 

Basada en la autobiografía homónima de Solomon Northup de 1853, la película ganó el Oscar a la mejor película en 2014.

Está protagonizada por Chiwetel Ejiofor en el papel principal, Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Paul Giamatti, Brad Pitt, que también produce la película, y Lupita Nyong'o, que ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto.


El cine norteamericano trata de asumir (de verdad) la monstruosidad de la esclavitud, el pecado original de la nación, paralelo al genocidio indio. Lincoln, Django Unchained y 12 Years a Slave son obras diferentes y discordantes, cuya proximidad conduce a mayores lecturas y es algo más que una coincidencia.

El tema, abordado, cuestionado y compartido, subraya la delicadeza de un acontecimiento histórico que está lejos de ser absorbido por el país de Barack Obama. Si en la película de Steven Spielberg la figura y la condición del esclavo se esconde entre discursos, extensiones y mediaciones, en las de Quentin Tarantino y Steve McQueen es una visión subversiva que desafía al imperio o lo sufre durante doce años.


Distintos en sus maneras, Django es locuaz y carnavalesco, Solomon es pesado y silencioso, uno abraza el heroísmo sonoro, el otro enmudece, uno castiga, el otro espera, los protagonistas de Jamie Foxx y Chiwetel Ejiofor comparten sin embargo una expresión decisiva y ambigua, una excepcionalidad. Django y Solomon son negros especiales, esclavos insólitos que acaban escapando del destino de su pueblo por esta misma razón.

Si Tarantino reescribe el pasado y libera la invención realizando un sueño que intercepta los acontecimientos históricos a través del placer subjetivo, McQueen decide denunciarlos a través de una representación explícita, exhibida, obscena, que evidentemente pretende despertar la conciencia adormecida del espectador.

    Lea también: Recuerda que aborda un ajuste de cuentas con la Historia y una historia de privaciones.

Trama.


 

 En 1841, antes de la Guerra de Secesión, Solomon Northup, un talentoso violinista negro, vive libre en la pequeña ciudad de Saratoga Springs (Estado de Nueva York) con su esposa Anne y sus hijos Margaret y Alonzo. Engañado por dos falsos agentes de entretenimiento, es secuestrado, golpeado y azotado, privado de los documentos que certifican su libertad y llevado a Luisiana, donde permanece en la esclavitud hasta 1853, cambiando de amo tres veces y trabajando principalmente en la plantación de algodón del pérfido esclavista Edwin Epps. Entre la crueldad de Epps y los inesperados y raros actos de bondad, Solomon lucha no sólo por sobrevivir, sino también por conservar su dignidad.

En el duodécimo año de su inolvidable odisea, un encuentro casual con el abolicionista canadiense Samuel Bass supone un inesperado punto de inflexión en su vida. Tras conocer su historia, Bass consigue localizar a la familia de Northup: Solomon es finalmente libre. De vuelta a casa, abraza a su mujer y a sus hijos mayores. Antes de los créditos finales, se nos informa de su inútil batalla legal contra los secuestradores, así como del compromiso abolicionista que marcó los años posteriores a su dramática experiencia.

El póster y el primer tráiler de la película se publicaron el 15 de julio de 2013, mientras que la versión italiana se estrenó el 12 de diciembre del mismo año. La película se estrenó en el Festival de Cine de Telluride y posteriormente en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde ganó el premio del público.

La película se estrenó en los cines estadounidenses a partir del 18 de octubre de 2013, mientras que en Italia lo hizo a partir del 20 de febrero de 2014.

Los primeros carteles de la versión italiana, a diferencia de la estadounidense, muestran al protagonista británico Chiwetel Ejiofor en un segundo plano, dando protagonismo en su lugar a Brad Pitt y Michael Fassbender, una elección que provocó una acalorada polémica, hasta el punto de que se sustituyeron los carteles por otra versión.

Actores y personajes.

Chiwetel Ejiofor: Solomon Northup
Michael Fassbender: Edwin Epps
Benedict Cumberbatch: William Ford
Paul Dano: John Tibeats
Paul Giamatti: Theophilus Freeman
Brad Pitt: Samuel Bass
Lupita Nyong'o: Patsey
Alfre Woodard: Harriet Shaw
Sarah Paulson: Mary Epps
Scoot McNairy: Marrón
Taran Killam: Hamilton
Garret Dillahunt: Armsby
Michael Kenneth Williams: Robert
Quvenzhané Wallis: Margaret Northup
Ruth Negga: Celeste
Bill Camp: Ebenezer Radburn

El Extranjero muestra el encuentro natural entre el nihilismo de Camus y el habitualmente fastuoso Luchino Visconti.

Traducción del inglés-The Stranger es una película de 1967 del director de cine italiano Luchino Visconti, basada en la novela The Stranger de Albert Camus de 1942, con Marcello Mastroianni.

Los acontecimientos que marcaron su producción pueden explicar, aunque sólo sea en parte, su destino, esta especie de damnatio memoriae.

Inmediatamente después de la repentina muerte de Camus y a raíz del renovado interés por la novela, Dino De Laurentis compró los derechos cinematográficos, pero en el contrato Francine Camus, viuda del escritor, se garantizó la elección del director y el control constante del trabajo de adaptación, también a través de un colaborador de su confianza. Para los papeles principales, Visconti pensó inicialmente en Alain Delon y Claudia Cardinale, pero luego -él era demasiado joven y ella demasiado bella- se eligió a Marcello Mastroianni y Anna Karina.



Trama.


Meursault, un modesto oficinista que vive y trabaja en Argel, recibe el anuncio de la muerte de su madre en un hospicio. Sin entristecerse especialmente, va a velar su cuerpo y a acompañarla al cementerio. A su regreso tras el funeral, conoce a Marie, una mecanógrafa amiga suya, y comienza una relación con ella.

Uno de sus vecinos, Raymond, que se apoya en las mujeres, le ofrece su amistad y le pide ayuda para vengarse de una chica árabe. Meursault, indiferente y dispuesto a todo, acepta. Una noche, Meursault y Marie oyen gritos desesperados procedentes de la habitación de Raymond: es la muchacha árabe que pide ayuda y busca escapar del hombre que la está moliendo a golpes. La policía interviene y el asunto se silencia. Pero a partir de ese día, Raymond no se siente a gusto: el hermano de la chica le sigue por la calle, en silencio, desde lejos.


Un domingo, Meursault, Marie y Raymond van a la playa; el árabe está allí: Meursault, enredado en circunstancias absurdas, dispara al hombre y lo mata. Detenido y juzgado, es condenado a muerte: pero lo que le ha perdido no es tanto el asesinato del joven árabe como su insensibilidad, su condición de diferente, de "extraño" al mundo de los demás.

Pero Meursault no se siente culpable ante los jueces que lo condenan, convencido de que la muerte es la única realidad


Actores y personajes.

Marcello Mastroianni: Arthur Meursault
Anna Karina: Marie Cardona
Bernard Blier: Abogado defensor
Georges Wilson: Magistrado
Bruno Crémer: Sacerdote
Pierre Bertin: Juez
Jacques Herlin: Director de la casa
Marc Laurent: Emmanuel
Georges Géret: Raymond
Alfred Adam: Fiscal
Jean-Pierre Zola: Empleado
Mimmo Palmara: Masson
Angela Luce: Madame M


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